Ventana Circular

Tony's Defenders - Both Singles

2010-09-25T07:02:00.000-07:00

Tony's Defenders (Both Singles) Columbia - 1966

El grupo se formó a mediados de los 60 en Tunbridge Wells, una ciudad de West Kent, a unos 50 Kms. al sureste de Londres. Musicalmente, sustituían las influencias del rhythm & blues de la mayor parte de los grupos jóvenes del momento por un sonido un tanto más pulido y elaborado, y más cercano al soul blanco.

Fueron fichados for Columbia y pronto se vieron en el estudio grabando su primer single, "Yes I Do", una gran canción compuesta por el cantante del grupo, Tony Preble, en la onda de lo que en ese momento estaban haciendo Al Kooper, The Blues Project o The Remains al otro lado del Atlántico. Para la cara B, la discográfica les adjudicó "It's Easy To Say Hello", una canción del autor profesional Bob Barratt, aqui con el sin duda más atractivo seudónimo de Dwayne Detroit. Bajo la tutela de una agencia de management de Oxford street en Londres, Tony's Defenders hicieron una aparición en TV para promocionar el disco, y una pequeña gira por Alemania y Dinamarca, aparte de los bolos habituales en Inglaterra.

Para el segundo single los managers, a través de sus conexiones, les presentaron un par de canciones de Tony Macaulay y John MacLeod. Entonces unos perfectos desconocidos pero que, en tan sólo un par de años, disfrutarían de un montón de grandes éxitos internacionales con canciones suyas escritas para The Foundations, Long John Baldry, Herman's Hermits, Tom Jones, The Hollies, Scott Walker y cien más. De hecho, estas dos canciones son posiblemente las primerísimas grabadas de tan ilustre tandem. Es de destacar que ambas estan todavía algo alejadas del sonido ultracomercial que posteriormente desarrollarían Macaulay y MacLeod. Efectívamente, venían como anillo al dedo a Tony's Defenders y a la fantástica voz de Tony. "Since I Lost You Baby", una preciosa balada de soul pop y "Waiting For A Call From You", dentro del espectro de un mod pop bailable.

Como en tantas otras historias similares, las ventas de este par de singles no fueron las apetecidas por Columbia, y Tony's Defenders se disolvieron en el aire, dejando una ténue pero firme huella. Sólo "Yes I Do" ha aparecido en un par de recopilaciones a través de los años, quedando todavía en el limbo las otras tres canciones. Y aqui están las cuatro, como homenaje y recuerdo a otro gran grupo que apenas aparece en los anales del pop de los 60.

Después de Tony's Defenders, el guitarrista Brian Bennett (no confundir con su homónimo de The Shadows), siguió camino con The Mike Stuart Span / Leviathan, con High Broom y luego con otros proyectos. El bajista Brian Preble, tras un corto período con The Riot Squad, anduvo la senda del psyco pop con la segunda formación de Jason Crest y luego siguió también con High Broom. El batería Roger Siggery con Jason Crest, High Broom y Holy Mackerel. Sorprendentemente, el cantante Tony Preble, a pesar de tener un indiscutible talento y una más que buena voz, parece ser que dejó la música y nunca volvió a grabar. Y el organista Graham Webb, a quien agradecemos su gran ayuda para la elaboración de este artículo, continuó en formaciones diversas con sus teclas, con las que afortunadamente todavía sigue en la actualidad.

Viva Tony's Defenders.

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The band was formed in the mid 60s in Tunbridge Wells, a city in West Kent, about 50 Kms. south east of London. Musically, they were exchanging the rhythm & blues influences, common to many of the young bands of the time, for a more polished and elaborated sound, closer to white soul.

They were signed by Columbia and soon found themselves in the studio recording their first single, "Yes I Do", a great song written by the singer of the band, Tony Preble, in the wave to what Al Kooper, The Blues Project or The Remains were doing around the same time in the other side of the Atlantic. For the B side, the record company assigned them "It's Easy To Say Hello", a song written by professional songwriter Bob Barratt, here with the doubtlessly more attractive pseudonym of Dwayne Detroit. Under the wing of a management agency from Oxford street in London, Tony's Defenders appeared on TV promoting the single, and made a small tour in Germany and Denmark, besides the usual gigs in England.

For the second single their management, through their connections, brought a couple of songs by Tony Macaulay y John MacLeod. Then a completely unknown pair but, in just a couple of years time, both would enjoy a whole bunch of great international hits with some of their songs written for The Foundations, Long John Baldry, Herman's Hermits, Tom Jones, The Hollies, Scott Walker and a hundred more. In fact, these two songs were possibly the very first recorded ones by such a distinguished tandem. It's remarkable that both songs were still a bit far from the ultracommercial sound which Macaulay and MacLeod would develop very short time later. Indeed, they were like hand in glove for Tony's Defenders and for the fantastic voice of Tony. "Since I Lost You Baby", a precious soul pop ballad, and "Waiting For A Call From You", within the spectre of some dance mod pop.

Just like in so many other similar stories, sales of both singles were not the ones expected by Columbia, and Tony's Defenders dissolved in the air leaving a faint but strong trace. Only "Yes I Do" has ever appeared in a couple of comps through the years, the other three songs still remaining in limbo. And here we have all four of them, as homage and remembrance to another great band who has hardly appeared in the 60s pop annals.

After Tony's Defenders, guitarist Brian Bennett (not to be confused with his The Shadows namesake), went on his way with The Mike Stuart Span / Leviathan, with High Broom, and later on with other projects. Bass player Brian Preble, after a short spell with The Riot Squad, followed the psych pop path with the second line up of Jason Crest, and then also with High Broom. Drummer Roger Siggery with Jason Crest, High Broom and Holy Mackerel. Surpisingly, it seems that singer Tony Preble, in spite of having such an inquestionable talent and a more than great voice, left the music business and never recorded again. And organist Graham Webb, to whom we are so grateful for his great help with the making of this article, went on with several projects with his keyboards. And fortunately, he's still at it nowadays.

Viva Tony's Defenders.

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VA - Some Other Colours (Jack Dalton & Gary Montgomery Songs Beyond Colours)

2010-05-07T00:39:00.000-07:00

VA - Some Other Colours (Jack Dalton & Gary Montgomery Songs Beyond Colours)

Dalton & Montgomery, The Turtles, Nino Tempo & April Stevens, The Committee, The Peppermint Trolley Company, Aorta, The Moon

Hace un montón de años, quien nos hubiera dicho a Jack, a Gary, a tí y a mi, que en 2010 estaríamos aqui, en este medio tan cercano, tan distante y tan anónimo, recordando y celebrando todas estas canciones que han quedado suspendidas en el tiempo y en el espacio. La tuya y la mía, son historias que, por el momento, no vienen a cuento. Pero esta puede ser una buena ocasión para disfrutar de una parte de la de Jack y de la de Gary.

Juntos escribieron, durante unos cuantos años en su juventud, canciones de un sorprendente nivel. Canciones que reflejaban fielmente la evolución musical de los tiempos, y que tenían por común denominador un impecable buen gusto en su construcción melódica y un fuerte poder evocador. Muchas de ellas fueron grabadas por ellos mismos con su principal proyecto, el grupo Cololurs. Otras fueron editadas por otros artistas, como The Turtles, Nino Tempo & April Stevens, The Committee, The Peppermint Trolley Company, Aorta, o The Moon.

Esta recopilación podría bien ser el complemento del fantástico CD de Colours "Love Heals: The Complete Recordings", editado por Now Sounds/Cherry Red en 2008, y que recoge los dos únicos LPs publicados por el grupo de Jack y de Gary ("Colours", 1968 y "Atmosphere", 1969). Aquí, en nuestra recopilación, reunimos la mayor parte de sus canciones no incluídas alli, y que a buen seguro merecen ser también recuperadas y disfrutadas.

Resulta fascinante participar de la evolución de su música. Desde el northern soul-merseybeat de sus primeras grabaciones para la poderosa Motown, al pop multicolor y arrebatador de cuando comenzaban a despegar, hasta los aromas psicodélicos de su etapa final.

Sorprendentemente, apenas se ha hablado de ellos en ninguna parte. Por eso están aquí. Al alcance de unos pocos clicks.

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A bunch of years ago, who would have told us, to Jack, Gary, you and me, that in 2010 we'd be here, in such a close, distant and anonimous media like this one, remembering and celebrating all these songs which have remained suspended in time and space. Yours and mine are stories that, at the moment, are not relevant. But this could be a good moment to enjoy a part of the one of Jack and Gary.

Together, during some years in their youth, they wrote songs of a surprising high level. Songs which were truly reflecting the musical evolution of the times, and which have in common a faultless good taste in their melodic construction and a strong evoking power. Many of them were recorded by themselves with their main project, the band Colours. Other ones were released by other artists, like The Turtles, Nino Tempo & April Stevens, The Committee, The Peppermint Trolley Company, Aorta, or The Moon.

This compilation could well be the complement of the fantastic Colours CD "Love Heals: The Complete Recordings", released by Now Sounds/Cherry Red in 2008, which contains the only two LPs recorded by the band of Jack and Gary ("Colours", 1968 and "Atmosphere", 1969). Here in our comp we're gathering most part of their songs not included there, and which quite surelly also deserve to be recovered and enjoyed.

It's fascinating to participate in the evolution of their music. From the northern soul-merseybeat of their first recordings for the mighty Motown, to the multicoloured and captivating pop of the times when they were starting to take off, and to the psychedelic flavours of their final stage.

Surpisingly, hardly anyone has spoken about them anywhere. That's why they're here. Just a few clicks away.

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Sirkel & Co. - Sirkel & Co.

2010-04-05T02:55:00.000-07:00

Sirkel & Co. (Sirkel & Co.) Charly CRL 5003 - 1976

Eric Ter-Sarkissian es un músico francés de ascendencia armenia que aterrizó en Inglaterra a mediados de los 70 y, de aguna forma, se hizo con los servicios de unos cuantos reputados músicos locales, grabó un curioso disco, y se volvió a casa.

El grupo base estaba formado, aparte del percusionista francés y amigo suyo Marc Frentzel, por el bajista Gordon Raitt, sesionero profesional todavía en activo, el teclista Ronnie Leahy, que había estado con Trash y Stone The Crows, y el batería Colin Allen, ex - Zoot Money, Stone The crows y un montón más. El propio Eric se hizo cargo de todas las guitarras, añadiendo la del famoso ex-Rolling Stone, Mick Taylor, en cuatro canciones únicamente: "Up On Your Cloud", "Living In The Laid Back", "Riff A Bit" y "I Haven't Got Too Much Time". También se añadió en algunos temas la sección de viento del grupo Gonzalez, liderada por el legendario Chris Mercer, que anteriormente había estado con John Mayall, Juicy Lucy y Keef Hartley, entre otros.

Un joven ciego de 25 años, Robin Millar, se hizo cargo de uno de sus primeros trabajos como productor. Probablemente, algo tuvo que ver el hecho de que su hermana estaba casada con Mick Taylor. No obstante, hizo un notable trabajo con este disco. Posteriormente, Robin se convertiría en un afamado productor (Bluebells, Weekend, Big Country, Everything But The Girl, Style Council, Sade, y cien más), y montó los Power Plant studios en Londres.
Para redondear el asunto, las sesiones tuvieron lugar en los míticos Rockfield Studios, al sur de Gales, donde todo un firmamento de estrellas plasmaban sus devaneos en cinta magnética, para deleite de la humanidad.

Tal vez por el más que buen nivel del reparto, tal vez por la conjunción astral del momento, y tal vez porque, después de todo, Eric había escrito un buen y variado puñado de canciones, "Sirkel & Co." resultó ser un buen LP de rock. No muy fácil de etiquetar, muy de su tiempo, con una manifiesta solidez, y con algunas pequeñas sorpresas. Mis favoritas son la crepuscular y desolada "Nothing To Say", el psyco reggae mutante "Sunday Night", la perezosa sureña "East Coast Rocker" y el misterioso instrumental "Low Tide". Vale, las menos rockeras. Será por lo menos convencional. De todas formas, algunas de las más clásicas, como "Up On Your Cloud" que abre el disco, podrían muy bien estar en "Exile On Main Street" de sus majestades.

Ni que decir tiene que no pasó absolutamente nada con el disco. A pesar de que el nombre de Mick Taylor, oportunistamente, aparecía en la mismísima portada, cosa un tanto exagerada dada su escasa participación. Muy poco después de su edición, y durante algún tiempo, pudo verse a "Sirkel & Co." por los cajones de rebajas de medio mundo. Ya no.

Cumplido su objetivo, Eric regresó a Francia, donde grabó y editó un segundo LP, "Vertige" (Trema Records - 1978), esta vez a nombre de Eric Sirkel. Luego emigró a las playas de California por donde anduvo unos cuantos años dandole vueltas al asunto musical. Un regreso a Paris a principios de los 90 parece definitivo. Desde entonces, y adoptando el nombre casi real de Eric Ter, nuestro hombre se ha ido autoeditando esporádicamente algún que otro disco, cuando el tiempo y el dinero lo permiten. El más reciente, "Chance" (2008). Qué veneno es la música...

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Eric Ter-Sarkissian is a french musician of armenian ascendancy who landed in England in the mid 70s and, somehow, managed to get the services of a bunch of local musicians with some reputation, made a curious album, and then went back home.

The basic band consisted in bassist Gordon Raitt (still active session man), keyboard player Ronnie Leahy, who'd played with Trash and Stone The Crows, drummer Colin Allen, ex - Zoot Money, Stone The Crows and many more, and french percussionist and friend of Eric, Marc Frentzel. Eric himself was in charge of all guitars, adding the one of ex-Rolling Stone, Mick Taylor, in just four of the songs: "Up On Your Cloud", "Living In The Laid Back", "Riff A Bit" and "I Haven't Got Too Much Time". Also, some of the tracks had the horn section of the group Gonzalez, led by the legendary Chris Mercer, who had previously played, among others, with John Mayall, Juicy Lucy and Keef Hartley.

A young blind guy of 25, Robin Millar, handled one of his first jobs as a producer. Maybe the fact that his sister was married to Mick Taylor had something to see on it. Whatever, he sure made a more than remarkable job with this record. Later on, Robin would become a famous producer (Bluebells, Weekend, Big Country, Everything But The Girl, Style Council, Sade, and a hundred more), and started the Power Plant studios in London. To round up things, recording sessions were held at the famous Rockfield Studios in south Wales, were a whole bunch of stars were putting their ravings into tape for enjoyment of mankind.

Probably because of the great level of the musicians cast, probably because of the astral conjunction of the moment, and probably because, after all, Eric had written a solid and diverse handful of songs, "Sirkel & Co." came out as a quite good rock album. Not too easy to categorize, much of its time, with a quite solid vibe, and with some little surprises. My favourite songs are the crepuscular and desolate "Nothing To Say", the mutant psyco reggae "Sunday Night", the lazy southern "East Coast Rocker" and the misterious instrumental "Low Tide". Alright, the less rocky ones. Maybe because of less conventional. Anyway, some of the more classic ones, like the opener "Up On Your Cloud", could quite well fit on "Exile On Main Street" from their majesties.

Needless to say, absolutely nothing happened with the record. In spite of Mick Taylor's name oportunistically appearing on the cover, something rather exaggerated, given his scarce participation. Not long after its release, and during some time, "Sirkel & Co." could be seen in half of the world's bargain bins. Not anymore.

With his mission accomplished, Eric went back to France, where he recorded and released a second LP, "Vertige" (Trema Records - 1978), this time with the name of Eric Sirkel. Then, he moved to the California beaches where he roamed about the musical thing for a few years. A return to Paris in the early 90s seems definitive. Since then, and adopting his almost real name of Eric Ter, he's been self-releasing sporadically some albums, when time and money allow it. The last one, "Chance" (2008). What a poison is music.

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The Onyx - It's All Put On (The Singles, 1968 - 1974)

2010-03-15T03:47:00.000-07:00

The Onyx (It's All Put On - The Singles, 1968 - 1974)

En la tómbola de la vida algunos encuentran, en el cuarto de estar de casa, eso que muchos llaman éxito. Casi sin pretenderlo. Sin dar demasiadas vueltas. Otros queman tiempo trabajando duro sin ver resultados palpables a sus esfuerzos. Hasta qué punto interviene la propia voluntad, el destino, o la pura suerte, es creencia de cada cual. Probablemente, lo único cierto, y hasta cierto punto, son las experiencias sucedidas en el transcurso del viaje, y cómo las vivimos.

En sus casi diez años de intensa actividad, The Onyx tuvieron, a buen seguro, muchas experiencias mientras practicaban estilos musicales muy diversos, todos ellos con sobrada solvencia y dedicación. Apenas una decena de singles en siete años, con tres nombres diferentes, y en cinco sellos distintos, son el rastro de una gran banda, formada en Wadebridge, Cornwall, en 1966. Cientos de bolos, innumerables grabaciones para la BBC y una casi anónima discografía, son la ténue huella dejada por este sólido grupo. Con un cantante, Tony Priest, que a buen seguro podría haber hecho una buena y fructífera carrera en solitario. Los elaborados y bien ensamblados juegos de voces del resto del grupo fueron también una constante en toda su carrera, adaptandolos igualmente a una melodía de Carnaby Pop, al juego psicodélico o a un pedazo de freakbeat.

Durante la primera mitad de su historia, y después de grabar muchas maquetas, se apoyaron en un puñado de canciones escritas por sus mentores, y grandes profesionales en este terreno, Guy Fletcher y Doug Flett, quienes compusieron para ellos monumentos al pop como "You've Gotta Be With Me", "It's All Put On", "Tamaris Khan" o "Time Off". Luego, se hizo cargo de ellos Jerry Lordan, un experimentado músico que les dió todo tipo de cobertura, y que desgraciadamente nunca pudo igualar el éxito que había tenido en 1960 con su canción "Apache", en la versión de The Shadows.

Tras el exuberante y multicolor pop de sus primeros singles en Pye y los toques psicodélicos de la época media con CBS, The Onyx entraron en los 70 con dos curiosos discos en Parlophone. El primero, single esquizoide donde los haya, emparejaba una versión de la suave "Our House", de Crosby, Stills & Nash, (por cierto, bastante mejor que la acaramelada original), con un agreste freakbeat de cosecha propia, casi instrumental. El segundo, y último como The Onyx, era un asunto extremadamemte melódico, casi sinfónico. La cara B, como sacada de una película de Broadway. Seguramente, un intento más de sonar en la radio. Aunque, tal vez demasiado elaborado para ser comercial y probablemente demasiado melódico y suave para el publico más alternativo.

Con un cambio de guitarrista (sale el gran Alan Hodge, y entra Bernie Lee, ex - Paper Blitz Tissue, Cupid’s Inspiration y Orange Bicycle), y también con cambio de nombre (ahora VINEYARD, como la editorial de Jerry Lordan), la banda entraba en una nueva dinámica, con música más cercana al rock y con toques progresivos, ahora toda escrita por ellos mismos. Pero, tras dos singles, el grupo se disolvía finalmente, dejando en el armario el LP en el que estaban trabajando. Era 1975, nuestros chicos llevaban recorrida una muy larga carretera, y ya casi olía a punk en las calles de Londres.

De obligada escucha, para quienes gusten de estas músicas, es el CD de The Onyx editado el pasado 2009 por el sello Wooden Hill, "Kaleidoscope Of Colours / The Onyx Demo Sessions, 1967" (WHCD 027), en el que se pueden escuchar las más que interesantes maquetas grabadas por el grupo antes de su primer single.

Para una más detallada historia de The Onyx, montones de fotos, e incluso material inédito, no dejes de visitar la página web que ha elaborado nuestro vecino Richard Prest, a quien agradecemos los scans de Vineyard, los mp3 de Salamander y mucha información: http://www.the-onyx.co.uk/

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In the lottery of life, some people find what many call success at their home living room. Almost without pretending it. With not much trouble. Some others may burn time working hard without seeing any evident results to their efforts. Up to what point it's a matter of one's own will, destiny, or just plain luck, is ayone's guess. Probably, and up to a certain point, the experiences that happen during the trip and how we live them, are the only certain thing.

In their almost ten years of intense acivity, The Onyx had, for sure, a lot of experiences while practising quite different musical styles, all of them with more than enough dedication and reliability. Hardly ten singles in seven years, with three different names, and with five different labels, are the trace of a great band, formed in Wadebridge, Cornwall, en 1966. Hundreds of gigs, numberless recordings for the BBC and an almost anonimous discography, is the faint track left by this solid group. With a singer, Tony Priest, that could surelly have made a good and fruitful career as a solo artist. The elaborated and well structured harmony vocals of the rest of the band was also a constant feature during all their career, equally adapting them to a Carnaby Pop melody, to the psychedelic game or to a piece of freakbeat.

During the first half of their story, and after recording a lot of demos, they leaned on a bunch of songs by their mentors and great professionals in this field, Guy Fletcher y Doug Flett, who wrote specially for them pop monuments like "You've Gotta Be With Me", "It's All Put On", "Tamaris Khan" or "Time Off". Then, it was Jerry Lordan, a well experienced musician himself, who took charge of them and gave them all kinds of coverage. Unfortunately he could not match the success he had in 1960 with his song "Apache", in The Shadows version.

After the exuberant and multicolour pop of their first Pye singles, and the psychy touches of their middle times with CBS, The Onyx entered the 70s with a couple of curious records for Parlophone. The first one, a prime example of schizoid single, was coupling a cover of the smooth "Our House", by Crosby, Stills & Nash, (and a better one than the sugary original, that is), with a rude almost instrumental freakbeat written by themselves. The second, and last one as The Onyx, was an extremely melodic, almost sinfonic affair. The B side could have been taken from a Broadway movie. Surelly, one more attempt at being played on the radio. Though, perhaps too elaborated for being commercial and probably too melodic and delicate for the alternative audience.

With a change of guitarist (out went the great Alan Hodge, in came Bernie Lee, ex - Paper Blitz Tissue, Cupid’s Inspiration and Orange Bicycle), and also with a name change (now VINEYARD, as Jerry Lordan's publishing company), the band was moving to a new dynamic, with a music closer to rock and with prog touches, and now all of it written by themselves. But, after a couple of singles, they finally split, leaving in the cupboard the LP they were working on. It was 1975, our boys had travelled a quite long road, and it almost smelled like punk in the streets of London.

For those enjoying these sounds, it's obligatory the Onyx CD released by Wooden Hill in 2009, "Kaleidoscope Of Colours / The Onyx Demo Sessions, 1967" (WHCD 027), where you can listen to the more than interesting demos the band recorded before their first single.

For a much more detailed story of The Onyx, tons of photos, and even some previously unreleased material, please visit the website made by our neighbour Richard Prest, to whom we are indebted for the Vineyard scans, the Salamander mp3s and a lot of info:
http://www.the-onyx.co.uk/

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Smith Perkins Smith - Smith Perkins Smith

2010-02-04T09:17:00.000-08:00

Smith Perkins Smith (Smith Perkins Smith) Island LP ILPS 9198 - 1972

El Disco:

Está producido por el bajista David Hood (antes en The Mystics), y cuenta con la colaboración de la afamada sección de ritmo The Muscle Shoals Rhythm Section / The Swampers: el propio David Hood (bajo), Barry Beckett (teclas) y Roger Hawkins (batería). También participa, entre otros ilustres, Eddie Hinton aportando su guitarra y una canción.

Dos cosas sorprenden del álbum Smith, Perkins & Smith. A pesar de que los tres habían trabajado, y trabajarían luego, con un largo catálogo de artistas de soul y también de rock, apenas hay vestigios de ambos géneros en el LP en cuestión. El disco se mueve más bien por terrenos suaves, melancólicos y reflexivos. La otra curiosidad del disco es la sobriedad y escasez de solos de guitarra, a pesar de que el trio incluía a Wayne Perkins, uno de los más reputados y activos guitarristas en la historia del rock.

Tras un intrigante y corto inicio con "Catcher In The Rye", aparece el único single extraído del LP, "Save Me", una pieza de 70s soft rock que como suele suceder con muchos singles, no da la tónica general del álbum. De la cara A me quedo con "I Cry Mercy". Atmosférica, apasionada y con un órgano elevador.

La cara B se abre con un energético country rock firmado por Eddie Hinton (Aretha, Elvis, Otis...), pero es el resto del disco el que parece casi una suite unitaria. Sensitiva, soñadora y algo humeante. Cierra el LP una generosa e intensa "So Long", un slow rock sureño de envergadura, al estilo de Leon Russell, Don Nix o Warren Zevon, y que bien podría estar en alguno de los primeros discos de Neil Young. El épico final instrumental, aderezado con elegancia por The Swampers, deja muy buen sabor de boca y esboza una sobria sonrisa.

La Historia:

Probablemente, y después de tanto tiempo, este disco tan sólo sea una nota a pie de página en la dilatada carrera de estos caballeros, especialmente en la de Perkins. Los tres gozarían, posteriormente, de un largo y fructífero historial de trabajo con una increíble lista de famosos.
Pero, recién comenzada la década de los 70, en Birmingham, Alabama, Wayne Perkins se unía los hermanos Tim y Steve Smith con la intención de hacer algo juntos. Y ese algo fué este LP, el único del trio. Un disco que tal vez los propios interesados hayan olvidado hace tiempo.

Wayne (1951) tenía ya su experiencia en el mundo de la música. Su primera sesión como profesional fué a los 15 y poco después formo parte de The Vikings con quienes editó al menos un par de singles. En 1968 era ya sesionero habitual de los legendarios Fame y Muscle Shoals Studios, donde añadió su guitarra a grabaciones de Lonnie Mack, Don Nix, Albert King, The Soul Children, Ronnie Milsap y otros.

Por su parte, los hermanos Smith habían colocado ya alguna que otra canción en discos de reputados artistas como Ben Atkins o el gran Arhtur Alexander ("It Hurts To Want It So Bad"), y en 1971 comenzaron a trabajar con Wayne Perkins en lo que sería su primer y único album. Chris Blackwell, de Island Records, andaba por Muscle Shoals grabando el primer LP en solitario de Jim Capaldi - fuera de Traffic ("Oh How We Danced"). Casualmente los oyó en el estudio y les ofreció un contrato, editando inmediatamente el disco en el que estaban trabajando. Este que tenemos aqui.

Blackwell se los llevó a Inglaterra y pronto comenzaron a girar como teloneros de Free, Fairport Convention, Argent, Uriah Heep, Family, Vinegar Joe, Mott The Hoople... No parecía un mal comienzo.

El destino, o la casualidad (según se prefiera), cambió de dirección y puso en escena lo que sería el principio del fin de Smith Perkins Smith: Estando el trio en Londres grabando lo que hubiera sido su segundo LP, Chris Blackwell apareció por el estudio pidiendole a Perkins que añadiera algunos toques de guitarra al primer album de unos jamaicanos que hacían reggae, con la intención de darles un toque más al gusto rockero occidental. Asi pues, Wayne Perkins, que no había escuchado reggae en su vida, se vió grabando los solos de guitarra del LP "Catch A Fire" de Bob Marley & The Wailers. Suyos son los clásicos solos en "Concrete Jungle" o "Stir It Up", mal que le pese a Peter Tosh.

Ya nada sería igual. El mismo año, Perkins y su guitarra participaron el sendos discos de P.F. Sloan, Mike Harrison (post - Spooky Tooth), The Everly Brothers y algunos otros. Ante tal actividad de Wayne, los hermanos Smith decidieron volver a USA dejando inacabado el segundo LP que tenían entre manos, finiquitando asi el proyecto Smith Perkins Smith.

Wayne también regresó a América poco después y, tras un par de años con Leon Russell en su bandas The Shelter People Band y The Gap Band, tocó con Eric Clapton y Lynyrd Skynyrd. Fué Eric quien le conectó con The Rolling Stones, que recién habían perdido a Mick Taylor. La guitarra de Mr. Perkins puede escucharse en el LP de sus satánicas majestades "Black & Blue" ("Hand Of Fate", "Fool To Cry"...)

Tras montar un grupo con su hermano Dale, Crimson Tide, y grabar un par de LPs con ellos, anduvo por Nashville e hizo música para algunas películas (Karate Kid II, Back To School...). Su primer LP en solitario apareció, por fin, en 1995... y el segundo diez años más tarde. En la vorágine grabadora de Wayne Perkins están incluídas sesiones con Joni Mitchell (Court & Spark), Bill Wyman, Levon Helm, Lynyrd Skynyrd, Steve Cropper, Bobby Womack, Dee Dee Warwick, Millie Jackson, Joe Cocker, Leon Russell, Jimmy Cliff, Jim Capaldi, Steve Winwood, Roger McGuinn & Chris Hillman, y una miríada más.

Por su parte, y aunque no tan espectacular y exhaustiva como la de su colega Wayne, los hermanos Smith tuvieron también una buena y estable carrera musical. Steve como músico, técnico y productor con, entre otros, Jim Capaldi, Robert Palmer, Gillan, Bob Marley & The Wailers, Supertramp o The Bible en los 80. También Tim hizo similares labores, principalmente con Lynyrd Skynyrd.

Y aquel olvidado LP que los tres editaron allá en 1972, pareció quedar diluído en las brumas del tiempo.

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The Record:

It's produced by bass player David Hood (ex - The Mystics), and it includes the famous Muscle Shoals Rhythm Section / The Swampers: David Hood himself on bass, Barry Beckett on keyboards and Roger Hawkins on drums. Also, among other distinguished musicians, Eddie Hinton is adding his guitar and one song.

There's two surprising things in this Smith Perkins Smith album: In spite of all three members having worked in the past, and also in the future, with a long catalogue of soul and also rock artists, there's hardly any traces of those two genres in the LP, which rather moves in smooth, melancholic and reflexive lands. The other curiosity of the record is the moderation and scarcity of guitar solos, in spite of the trio including Wayne Perkins, one of the most priced and active guitarists in rock history.

After an intriguing and short start with "Catcher In The Rye", comes the only single lifted off the LP, "Save Me", a 70s piece of soft rock which, as usual with many singles, doesn't give the overall indication of the album's mood. From side A, my favourite is "I Cry Mercy". Atmospheric, passionate and with a lifting organ.

Side B opens with an energetic country rock written by Eddie Hinton (Aretha, Elvis, Otis...), but it's the rest of the record who's taking the main role, almost like a unitary suite. Sensitive, dreamy and a bit smoky. The LP ends with a generous and intense "So Long", a slow southern forceful theme, in the style of Leon Russell, Don Nix or Warren Zevon, which could perfectly fit on Neil Young's first LPs. The epic instrumental ending, spiced with elegance by The Swampers, leaves a pleasant flavour and draws a sober smile.

The Story:

Probably, and after such a long time, this record may only be a footnote in the extensive career of these gentlemen, speciallly in Perkin's one. All three would enjoy, later on, a long and fruitful working account with an incredible list of famous artists.
But in Birmingham, Alabama, just at the beginning of the 70s, Wayne Perkins was joining brothers Tim and Steve Smith with the intention of doing something together. And that something was this LP, the trio's only one. A record which probably themselves forgot long time ago.

Wayne (1951) already had some experience in the music world. At 15 he'd already had his first professional session, and a bit later on he was part of The Vikings with whom released at least a couple of singles. In 1968 he already was a steady session man at legendary Fame and Muscle Shoals Studios, where he played his guitar in recordings by Lonnie Mack, Don Nix, Albert King, The Soul Children, Ronnie Milsap and others.

By their side, the Smith brothers already had some of their songs recorded by famous artists like Ben Atkins or the great Arthur Alexander ("It Hurts To Want It So Bad"), and in 1971 they started working with Wayne Perkins in what would become their first and only album. Chris Blackwell, from Island Records, was in Muscle Shoals doing the recording of Jim Capaldi's first solo LP out of Traffic ("Oh How We Danced"). Just by chance he heard the boys in the studio and offered them a recording contract, immediately releasing the album they were working on. The one we're having here.

Blackwell took them to the U.K. and soon they were touring as the opening act for Free, Fairport Convention, Argent, Uriah Heep, Family, Vinegar Joe, Mott The Hoople... It just didn't seem a bad start.

Destiny, or fate (as you like it), changed direction and put on the scene what would become the beginning of the end of Smith Perkins Smith: While the trio were in London recording what would have been their second album, Chris Blackwell suddenly appeared in the studio asking Perkins to add some guitar licks to the first album of some jamaicans making reggae, with the intention of giving them a more western and rockier feel. So, Wayne Perkins, who had never ever heard any reggae music at all, found himself adding is guitar solos to the "Catch A Fire" LP by Bob Marley & The Wailers. His are the classic solos on "Concrete Jungle" or "Stir It Up", much to the regret of Peter Tosh.

Nothing would ever be the same anymore. That very same year, Perkins and his guitar appeared in records by P.F. Sloan, Mike Harrison (post - Spooky Tooth), The Everly Brothers and some others. With such a busy schedule by Wayne, the Smith brothers decided to go back to the USA, leaving unfinished that second album they were doing, concluding so the Smith Perkins Smith project.

Wayne also went back to the USA a bit later and, after a couple of years with Leon Russell and his bands The Shelter People Band and The Gap Band, he played with Eric Clapton and Lynyrd Skynyrd. It was Eric who put him in touch with The Rolling Stones, who just had lost Mick Taylor. Mr. Perkins guitar can be heard in their satanic mejesties LP "Black & Blue" ("Hand Of Fate", "Fool To Cry"...)

After forming a band with his brother Dale, Crimson Tide, and making a couple of albums with them, he moved to Nashville where he worked making some film music (Karate Kid II, Back To School...). His first solo LP finally appeared in 1995... and the second one ten years later. The recording vortex of Wayne Perkins includes sessions with Joni Mitchell (Court & Spark), Bill Wyman, Levon Helm, Lynyrd Skynyrd, Steve Cropper, Bobby Womack, Dee Dee Warwick, Millie Jackson, Joe Cocker, Leon Russell, Jimmy Cliff, Jim Capaldi, Steve Winwood, Roger McGuinn & Chris Hillman, and a myriad more.

Although not as spectacular and impressive as the one of their mate Wayne, the Smith brothers also had a good and steady musical career. Steve as a musician, sound engineer and producer with, among others, Jim Capaldi, Robert Palmer, Gillan, Bob Marley & The Wailers, Supertramp or The Bible in the 80s. Tim also had similar jobs, mainly with Lynyrd Skynyrd.

And that forgotten LP which all three released back in 1972, seemed to remain diluted in the mists of time.

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Actualización / Updating

2010-01-06T12:08:00.001-08:00

VA - Saga Of A Wrinkled Man (Songs Of Danny Beckerman)

He actualizado la carpeta "Saga Of A Wrinkled Man (Songs Of Danny Beckerman)" que publiqué el pasado 2 de Septiembre 09. Ahora contiene un par de canciones más de Fortes Mentum, hasta ahora inéditas. También he añadido información actualizada, y algunas nuevas fotos.

También, recientemente se ha creado una página web dedicada a Fortes Mentum (http://www.fortesmentum.com/) donde se puede encontrar información, fotos, e incluso alguna grabación inédita en directo. Gracias a Maggie y a Ron por alguna de las fotos del grupo.

En caso de que no quieras buscar la publicación original, sólo cinco pisos más abajo, aqui está el nuevo link. Salud.

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I've updated the folder "Saga Of A Wrinkled Man (Songs Of Danny Beckerman)", which I posted back in September 2nd 09. Now it has a couple extra tracks (two previously unreleased Fortes Mentum songs). I've also added some updated info, and a few new photos.

Also, a website dedicated to Fortes Mentum has been recently created (http://www.fortesmentum.com/). On it you can find info, photos, and even some unreleased live tracks. Thanks to Maggie and Ron for some of the photos of the band.

In case you don't bother to search the original posting, just five storeys down, here's the new link. Salud.

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Amory Kane - Memories Of Time Unwound

2009-12-30T16:42:00.000-08:00

Amory Kane (Memories Of Time Unwound) MCA LP MUPS 348 - 1968

A finales de 1967 el joven músico californiano Amory Kane aterriza en Londres, y pronto se hace un pequeño hueco en la floreciente escena folk local, en garitos como Bunjies o Les Cousins, lugares habituales para Bert Jansch, Al Stewart o Paul Simon, compatriota suyo que le había precedido en similar aventura.

En cuestión de meses, consigue contrato discográfico con MCA, discográfica que debía confiar bastante en el potencial de Amory, a juzgar por la cuidada producción que arropaba su primer LP, "Memories Of Time Unwound", publicado en 1968. No debieron salir muy baratas las minutas de la gran orquesta que le acompaña en casi todos el disco, ni las de afamados arreglistas como Jimmy Horowitz, Reg Tilsley o el mismísimo John Paul Jones, que trabajaba ya en el primer disco de Led Zeppelin. La producción corrió a cargo de otro americano afincado en Londres, y líder del grupo Family Dogg, Steve Rowland.

Entre todos, consiguieron hacer un reseñable y sorprendente disco, que se mueve en un terreno sonoro de folk-pop orquestado en el que, en la época, podrían habitar también David McWilliams o Peter Sarstedt, si bien en un tono algo más lisérgico y desquiciado que ellos. Amory Kane firma todas las canciones excepto dos: "All The Best Songs And Marches", una preciosidad escrita por Terry Stamp, y grabada también el mismo año por Foggy Dew-O y por Family Dogg. Dice Terry (quien, por cierto, fué bajista de los legendarios Mike Rabin & The Demons, líder de Third World War a principios de los 70, y todavía muy en activo en la actualidad) que también Dusty Springfield y Herman's Hermits la grabaron, aunque sus versiones permanecen inéditas.

La otra canción del álbum no escrita por el propio Amory es "You Were On My Mind", compuesta por Sylvia Fricker y grabada originalmente por Ian & Sylvia en 1965 (aunque en el disco figura como tradicional). Popularizada por We Five en USA y por Crispian St. Peters en Inglaterra, aparece aquí en una amplia versión bastante más dramática que las anteriores.

"Memories Of Time Unwound" es un disco con bastantes contrastes. Tras el equívoco comienzo de "Mama Mama", se alternan canciones introspectivas y etéreas como "New Light", con el folk pop orquestado de "Maybe You'll Stay", el ligero aroma alien de "Night", con sus violines en cinemascope, o la destacable "Candy Queen", con un acertado toque Carnaby. La canción más "conocida" del disco (aunque en círculos un tanto subterraneos, claro está), es "Perfumed Hand Of Fate": un desencajado blues mutante de casi diez minutos, en el que Amory despega del suelo para circular por oscuras nubes, acompañado por grupo eléctrico y orquesta en ácido.

A pesar de que "Reflections Of Your Face", tal vez la canción más accesible del lote, fué editada en single y versioneada por el grupo del productor Steve Rowland, Family Dogg, y también por el ilustre P.J. Proby, el álbum pasó bastante desapercibido, como suele ser habitual en estos casos.

Hemos incluído aquí la cara B del single, la acústica "Four Ravens", que no aparecía en el LP, pero que, en una versión menos desnuda y diferente, fué regrabada un par de años después para el segundo álbum.

En 1969, Amory Kane formó un trío con los músicos locales Tim Hollier y Rick Cuff, haciendo algunos memorable directos, como el de Wigmore Hall en el que un jóven David Bowie, en plena ascensión a las estrellas, bailó una curiosa danza espacial al son del trío de Amory. Tras algunas sesiones como músico de estudio (Peter Sarstedt, P.J. Proby...), Mr. Kane entró en la nueva década con un segundo y último LP, más críptico que el primero, "Jut To Be There" (CBS, 1970). Tras un último single, bastante más asequible que su anterior producción, y probablemente desalentado por la ausencia de ecos reseñables de su trabajo, parece ser que Amory Kane regresó a USA donde trabajó musicando vídeos y documentales de TV. También, posteriormente, fué cameraman y otros asuntos varios.

Últimamente, se le ha podido ver regentando algún restaurante en California, tocando blues en garitos varios de San Francisco, haciendo alguna grabación casi secreta con su banda actual, y produciendo al grupo de su hijo Jack. La energía no se destruye. Sólo se transforma.

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In late 1967 the young californian musician Amory Kane landed in London, and soon found a place in the flowering local folk scene, in clubs like Bunjies or Les Cousins, common venues for Bert Jansch, Al Stewart or Paul Simon, a compatriot who preceded him on a similar adventure.

In a matter of months, he got a recording contract with MCA, a record label that seemed to have high hopes in Amory's potential, judging by the careful production which wrapped up his first LP, "Memories Of Time Unwound", released in 1968. The bills of the big orchestra that played in most of the record, and also those of famous arrangers like Jimmy Horowitz, Reg Tilsley or John Paul Jones himself, by then already working on Led Zeppelin's first album, sure weren't a cheap thing at all. The production duties were made by another american based in London and leader of the band Family Dogg, Steve Rowland.

All of them made a remarkable and surprising record, which could fit in a sonic field of orchestrated folk-pop like the one of David McWilliams or Peter Sarstedt, though in a more lisergic and unsettled way than them. Amory Kane was signing all songs except two: "All The Best Songs And Marches", a beauty written by Terry Stamp and also recorded the same year by Foggy Dew-O and Family Dogg. Terry (who, by the way, was the bass player of legendary beat band Mike Rabin & The Demons, leader of Third World War in the early 70s, and still quite active nowadays) says that also Dusty Springfield and Herman's Hermits recorded this song, though their covers remain unreleased.

"You Were On My Mind" is the other song in the LP not written by Amory himself. It was penned by Sylvia Fricker and originally recorded by Ian & Sylvia in 1965 (although credited as traditional on the record). Better known by We Five in the USA and by Crispian St. Peters en the UK, it appears here in a wider and more dramatic version than those.

"Memories Of Time Unwound" is a record with quite a few contrasts. After the misleading start of "Mama Mama", there's an alternance of ethereal and introspective songs like "New Light", with the orchestrated folk pop of "Maybe You'll Stay", the light alien flavour of "Night", with those panoramic violins, or the outstanding "Candy Queen" and its opportune Carnaby touch. The most "famous" song of the album (though, obviously, in rather subterranean circles) is "Perfumed Hand Of Fate": an almost ten minutes disjointed mutant blues, where Amory takes off the ground into dark clouds, accompanied by electric band and orchestra on acid.

In spite of "Reflections Of Your Face", probably the most accesible song of the lot, being lifted off the LP as a single, and also being covered by producer Steve Rowland's band Family Dogg, and by american legend P.J. Proby, the album went quite unnoticed, as ususal in these cases.

We have included here the B side of that single, the acoustic "Four Ravens". It wasn't included on the album, although it was re-recorded a couple of years later for the second LP, with a less naked arrangement.

In 1969, Amory Kane formed a trio with local musicians Tim Hollier y Rick Cuff. They made some memorable gigs, like the one in Wigmore Hall where a young David Bowie, then just ascending to the stars, danced a curious space dance to the music of Amory's trio. After some jobs as session musician (Peter Sarstedt, P.J. Proby...), Mr. Kane entered the new decade with a second and last LP, more cryptic than the first one, "Jut To Be There" (CBS, 1970). After a last and more radio friendly single, and probably discouraged by the lack of any shade of positive feedback to his work, it seems he went back to the USA where he worked setting music to videos an TV documentaries. Also, later, he was a cameraman and other assorted matters.

Not so long ago, he's been seen running some restaurants in California, playing blues in some San Francisco clubs, making some almost secret recordings with his current band, and producing the group of his son Jack. Energy is never destroyed. It only transforms.

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The Orange Bicycle - Last Cloud Home

2009-11-19T02:51:00.000-08:00

The Orange Bicycle (Last Cloud Home - Parlophone & Zonophone Singles, 1969 - 1971)

No vamos a detallar aquí la historia de The Orange Bicycle, de quienes es relativamente fácil encontrar información. La mayor parte de su discografía ha sido reeditada, especialmente la de su primera época en Columbia - El doble CD "Hyacinth Threads", editado por Edsel hace ya años, contiene toda su producción oficial para el sello, amén de un buen montón de material inédito. Pero sus singles en Parlophone nunca han vuelto a circular desde su edición original. Ni siquiera como canciones extra en la reedición japonesa del único LP del grupo. Y aquí es donde este "Last Cloud Home" cobra sentido.

Se ha glorificado sobradamente, y con razón, el principio de la carrera del grupo de Wilson Malone y compañía. Pero nunca ha parecido interesar demasiado el resto de la historia. Aunque, como suele suceder, ni el blanco es siempre tan blanco, ni el negro es siempre tan negro.

Es cierto que no se puede comparar la creatividad colorista de los primeros tiempos de The Orange Bicycle con sus grabaciones de 1969 y 1970. Tampoco hay porqué hacerlo. Tras un descanso a finales de 1968, un tanto desanimados por los tibios resultados de su primera serie de singles, la banda vuelve a la actividad en 1969 con algún cambio en su formación. Esta vez parecen más decididos a obtener resultados prácticos a su trabajo y, amparados por el cambio de tendencias musicales de finales de la década, dan una orientación más accesible a su música. También, más repertorio ajeno, y tan sólo tres canciones - una en los singles, y dos en el LP - del hasta ahora casi único compositor de la banda, Wil Malone, que andaba ya muy ocupado en actividades exteriores al grupo, componiendo, tocando y produciendo para otros grupos y proyectos varios.

Esta pequeña colección de singles muestra una banda de experimentados músicos, dando agridulces tiros al aire, y todavía logrando momentos memorables, como la canción que da título a esta recopilación, "Last Cloud Home" - entre las mejores del grupo - o la mágica "Make It Rain". Algunas versiónes de Elton John, entonces un perfecto desconocido, Bob Dylan o Lennon & McCartney, llevadas a terreno propio y hechas al estilo de digamos unos The Band británicos, intentaban un éxito que nunca llegó. Por cierto...¿Quien es John Dove?

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We're not going to tell here the Orange Bicycle story. It's not difficult to get some information about them. Most of their discography has already been re-released, specially the first part of it on Columbia - The "Hyacinth Threads" double CD, released by Edsel some years ago, contained all their official recordings for the label, plus a whole bunch of unreleased material. But their Parlophone singles have never ever been circulating again since their original release. Not even added as bonus tracks on the japanese re-release of the band's lone LP. And here's where this "Last Cloud Home" makes some sense.

The early recordings of the band of Wilson Malone & co. have been generously glorified, and with all merits indeed. But the rest of the story has apparently never awaken any interest. Though, as usual, nor white it's always so white, neither black it's always so black.

It's true that you cannot compare the colourful creativity of The Orange Bicycle's first times, with their 1969 and 1970 output. But also there's no need to. After some rest in late 1968, a bit discouraged by the lukewarm results of their first batch of singles, the band went back to action in 1969 with some changes in their line-up. Seeming this time more determined to have some practical effects to their work, and supported by the late 60s changes in the musical trends, they gave a more accessible approach to their music. There was more outer repertoire, and only three songs - just one on the singles, and two on the album - by the, until that moment, almost only writer in the band, Wil Malone, who was already quite busy in other activities ouside the band, writing, playing and producing for other artists and other assorted projects.

This little collection of singles shows a band of experienced and seasoned musicians, firing some sweet'n'sour shots in the air, and still achieving some memorable moments, like the song which lends its title to this collection, "Last Cloud Home" - among the best ones of the band - or the magic "Make It Rain". Some covers of Elton John, then a perfect unknown, Bob Dylan or Lennon & McCartney, all of them taken to their own realm, in a style of, say a british The Band, were trying to gain a success that never arrived. By the way... Who's John Dove?

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Sangre - Sangre

2009-10-12T09:14:00.000-07:00

Sangre (Sangre) RCA Vicor LP LSP 10442 – 1971

Formados en Caracas en 1965, Los Claners fueron uno de los más destacados grupos de beat-pop en Venezuela a finales de los 60, con tres LPs editados entre 1965 y 1967. Entre los influjos creativos del momento y con tan sólo un cambio en su formación - entra el guitarrista Pablo Manavello en lugar de Adib Casta - en 1970 deciden adoptar un nuevo nombre y emigrar a España, siguiendo los pasos de otro gran grupo venezolano, Los Impala. Nace Sangre.

Tras los contactos y los bolos pertinentes, y con la intercesión del inefable mánager y productor Emilio Santamaría, obtienen un acuerdo con RCA y graban su único disco en 1971 ayudados por algunos músicos locales. El album, a pesar de contar con la ayuda de un single promocional, no acaba de despegar por los motivos de siempre, y Sangre se disuelven poco después ante la indiferencia general, volviendo a Venezuela todos sus componentes excepto el líder y principal compositor Jose Manuel Arria. En Londres forma parte del grupo también venezolano Spiteri (un LP en 1973) y, posteriormente, vuelve a España para entrar en Los Bravos, a tiempo de participar en su último single, de nuevo con Mike Kennedy, "Never Never Never" (1976). Finalmente, también regresa a Venezuela.

Estos son los hechos, más o menos. En cuanto al LP de Sangre... es otro de esos grandes discos perdidos y olvidados en la maraña del tiempo. La música conserva la melodía pop de los orígenes del grupo, incorporando elementos del rock progresivo de la época y un espectro de influencias bastante amplio. Jose Manuel Arria muestra una gran sensibilidad pop con las melodías en general, especialmente en "Si Quieres Amar De Nuevo", "Sin Lágrimas En Los Ojos" o "Necesito Valor". También hay pasajes directamente relacionados con el rock de la época. Curiosamente las tres canciones cantadas en inglés: El elegante riff en la parte central de "Can't You Make More Time For Love", el largo solo de órgano y guitarra en "The Girl With The Big Green Eyes" y también la parte instrumental de "We'll Live A Little Bit More". Ah, y... ¿qué hay de esa versión mutante y etílica del "Para Elisa" del ínclito Ludwig?

En fin, un disco con un gran colorido, que se oye más que perfectamente del tirón y que, aunque probablemente sus autores apenas lo recuerden después de todo este tiempo de olvido, a nosotros nos sigue proporcionando buenos momentos, que es de lo que se trata. Gracias Sr. Arria y Cia.

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Formed in Caracas in 1965, Los Claners were one of the most popular beat-pop bands in late 60s Venezuela, with three LPs released between 1965 and 1967. Among the creative emanations of the times and with only one change in their line-up - guitarist Pablo Manavello comes, Adib Casta goes - they decided to adopt a new name and migrate to Spain in 1970, following the footsteps of another great band from Venezuela, Los Impala. Sangre is born.

After the mandatory gigs and contacts, and with the intercession of unutterable manager and producer Emilio Santamaría, they reach an agreement with RCA and make their only record in 1971 with the help of a few local musicians. The album, in spite of the supposed help of a promo single, and because of the usual reasons, didn't quite take off and Sangre disbanded soon later with general indifference. All members went back to Venezuela, excepting the leader and main composer Jose Manuel Arria who joined in London his colleagues, also from Venezuela, Spiteri (one LP en 1973) and, later on, came back to Spain to join Los Bravos just in time for their very last single in 1976 "Never Never Never". He finally went back home too.

These are the facts, more or less. Regarding the Sangre LP... it's another of those great lost records, forgotten in the bushes of time. The music keeps the melody sense of the band's origins, adding some prog rock elements of their time and a wide spectrum of influences. Jose Manuel Arria shows a great pop sensibility with the overall melodies, specially in "Si Quieres Amar De Nuevo", "Sin Lágrimas En Los Ojos" or "Necesito Valor". There's also some moments directly related with early 70s rock. Curiously the three english sung songs: The elegant riff in the central part of "Can't You Make More Time For Love", the long organ and guitar solo in "The Girl With The Big Green Eyes" and also the instrumental part in "We'll Live A Little Bit More". Oh, and... What about that mutant and ethilic cover of "Für Elise" from illustrious Ludwig?

In short, a very colourful record you can more than perfectly listen all straight at one sitting and that, though its makers may hardly remember it after all this time in oblivion, keeps on granting us with some very good moments, which is what it's all about. Thank you Mr. Arria & Co.

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No Strange - Trasparenze E Suoni

2009-09-15T16:28:00.000-07:00

No Strange (Trasparenze E Suoni) Toast TP LP 851 - 1985

Trasparenze E Suoni es un disco huído del tiempo y del espacio. Podría haber sido grabado en cualquier sitio y en cualquier momento a partir de 1966. Pero, de hecho, fué grabado en Italia en 1985.

Alberto Ezzu y Salvatore D'Urso comenzaron a juguetear con sonidos unos años atrás, bajo el nombre de No Strani, en Turín, en el Piamonte, al noroeste de Italia. Pronto llamaron la atención del productor y agitador musical local Giulio Tedeschi, que acababa de fundar su nuevo proyecto discográfico Toast.

Con el nombre desitalianizado a No Strange, Trasparenze E Suoni fue el primer disco del nuevo sello y contenía melodías de línea sencilla, debidamente aderezadas con bastantes ingredientes del catálogo psicodélico: voces etéreas, sitar, efectos de sonido, guitarras pasadas al revés y ruiditos varios. A destacar la total ausencia de batería convencional y de bajo en todo el LP, hecho que colabora al efecto flotante general.

El disco tiene una atmósfera nocturna y humeante. La primera cara contiene "Trasparenze E Suoni", una pequeña psicosuite de 16 minutos en cinco partes, algunas de ellas instrumentales, en la que destaca la que para mí es la mejor canción del disco y única cantada en italiano: La segunda parte, tras la introducción instrumental. Una canción intensa con arrebatadora melodía. La segunda cara consta de cuatro canciones: "Let Me Play The Sitar" es como si The Velvet Underground fueran de un pequeño pueblo en California y fumaran porros. "The New World" tiene la candidez del pop soleado, camuflada por un clavicordio y una dosis de guitarra al revés. Luego viene "Another Morning", un divertimento mántrico en modo vivace con ruidillos alien. Y cierra la sesión "The Sound Is God", una meditación en toda regla que huele a humo verde.

Si a todo esto le añadimos una portada multicolor serigrafiada en plástico transparente que alberga un vinilo también transparente, y una circulación más bien limitada, debido a los igualmente limitados medios y a su ámbito local, pues tenemos un verdadero artefacto sonoro, rara vez visto u oído fuera del Piamonte italiano. Hasta puede que incluso allí.

No Strange, con algún añadido a la formación, editaron un single y dos LPs más antes de disolverse en 1992. Alberto Ezzu, al parecer, se ha dedicado a la musicoterapia.

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Trasparenze E Suoni is a record that escaped from time and space. It could have been recorded anywhere at any given moment from 1966 onwards. But, in fact, it was made in Italy in 1985.

Alberto Ezzu y Salvatore D'Urso started toying with sounds a few years back under the name of No Strani in Torino, Piamonte, in the northwest of Italy. They were soon noticed by local producer and musical entrepreneur Giulio Tedeschi, who was just starting his new record label Toast.

With their name unitalianized to No Strange, Trasparenze E Suoni was the very first record on the new label and it contained some melodies of a simple line, duly dressed with quite a few of the ingredients of the psychedelic catalogue: ethereal voices, sitar, assorted little noises and backwards guitar. The total absence of conventional drums and bass guitar in the whole LP just adds to the overall floating effect.

The record has a nocturnal and smoky atmosphere. First side holds "Trasparenze E Suoni", a small 16 minutes psycho-suite in five parts, some of them instrumental. One of them, the second one after the introduction, and the only one sung in italian, is for me the best song in the album. An intense tune with an enrapturing melody. Second side has four songs: "Let Me Play The Sitar" is just as if The Velvet Underground came from a small californian village and smoked joints. "The New World" has the naivety of some sunny pop, disguised with baroque keys and a dose of backwards guitar. Then comes "Another Morning", a mantric exercise in vivace mode with assorted alien noises. The session is closed by "The Sound Is God", a drone meditation smelling like green smoke.

If to all this we add a multicoloured cover pasted on transparent plastic that's holding an also transparent vinyl LP, and a rather limited circulation due to equally limited resources and to its local medium, then we have a true sound artifact, rarely seen or heard ouside the italian Piamonte. Probably even there.

No Strange, with some addings to their line up, released one single and two more LPs before dissolving in 1992. Allegedly, Alberto Ezzu went on into music-therapy.

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VA - Saga Of A Wrinkled Man (Songs Of Danny Beckerman, 1968 - 1972)

2009-09-02T18:23:00.000-07:00

VA - Saga Of A Wrinkled Man (Songs Of Danny Beckerman, 1968 - 1972) Fortes Mentum, Barnaby Rudge, Magic Worms, Pussy, Angel Pavement, Fickle Pickle, Tin Biscuit, House, The Smoke.

Su nombre aparece asociado a varios grupos legendarios del psico-pop de finales de los 60 y principios de los 70. Firmando muchas canciones interesantes, produciendo, arreglando... pero nunca ha acabado de estar muy claro quien era realmente Danny Beckerman, y nadie se ha ocupado nunca de rastrear su trabajo con algún detalle. A pesar de haber ido dejando un sorprendente rastro de dramáticas canciones, usualmente de inspiración clásica, aderezadas con algúnos toques psicodélicos en ocasiones, y con estribillos que apuntaban a unas listas de éxitos que siempre quedaron un tanto lejanas.

Aparece, a los 19 años, como parte de la plantilla de músicos habituales de los estudios Morgan Sound en Willesden, al noroeste de Londres, junto a Geoff Gill de The Smoke y Wilson Malone de The Orange Bicycle, entre otros. Estos estudios eran parte de una organización montada por Monty Babson, un cantante y productor, y por Barry Morgan, batería profesional (luego en Blue Mink). El tinglado constaba de los mencionados estudios de grabación, una editorial y productora llamada Morgan Music, y un par de sellos discográficos: Morgan para música más o menos convencional, y Morgan Blue Town para material más creativo. Por el estudio, muy en boga en su tiempo, pasaron los Stones, Led Zeppelin, Paul McCartney, Pink Floyd, David Bowie, Free, Jethro Tull, Fairport Convention, The Four Seasons y muchos otros.

En ese entorno, el equipo de Morgan Studios cocinó un buen montón de proyectos musicales de diverso pelaje e intención, inventos de estudio en su mayoría. Desde experimentos psicodélicos hasta material puramente comercial, pasando por anónimos instrumentales para fondos de películas o lo que fuera menester.

Danny Beckerman era un hombre que, en casi toda su producción, parecía lograr una extraña y entrañable unión entre la sensibilidad pop y una agridulce inspiración clásica. Tal vez un poco como Michael Brown, de The Left Banke, pero bastante más europeo y decadente, en el buen sentido de la palabra. Parece ser que tenía bustos de Mozart y Beethoven sobre su piano en Morgan Studios. Nunca perteneció a ningún grupo oficialmente, aunque sí tocó en directo durante algún tiempo con Fortes Mentum, banda que él mismo había creado como vehículo para algunas de sus canciones. También tocó en la mayor parte del material que compuso y/o produjo, y en el legendario LP "Pussy Plays", único disco del grupo de estudio, también creación suya, Pussy.

En la pequeña colección de canciones que aquí hemos reunido hay un poco de todo: Pop clásico-psicodélico de alto calíbre como "Saga Of A Wrinkled Man" o "Mr. Partridge Passed Away Today", toques exóticos en "Marrakesh", la sobrecogedora "Joe, Organ & Co" de Barnaby Rudge (proyecto de estudio de Danny Beckerman y Wilson Malone, con la intensa voz de este último), las abiertas psico-excursiones de Pussy, o los claros intentos de éxito con canciones de estribillos arrebatadores como las dos de Angel Pavement, grupo de York. Ahí están también "Jack Is Back", magistral parodia del casi-éxito de The Smoke "My Friend Jack", o "Bonjour Monsieur", una muestra de la sensitiva y anónima musica de relleno del LP Colour Me Instrumental. Material aparentemente muy dispar, pero con un innegable sentido de la melodía, y con canciones como la copa de un pino.

Danny Beckerman trabajó posteriormente con gente tan diferente como Rick Wakeman, Adam & The Ants o Alex Harvey. Insistió con proyectos varios como The Intergalactic Touring Band (de nuevo con Wilson Malone) en 1977. Y parece ser que, tras unos cuantos años persiguiendo un éxito que no llevaba su nombre, nuestro hombre emigró a Australia, dedicándose a colocar la ocasional canción o producción y arreglos aquí y allá, y al socorrido oficio de musicar películas y series de TV (Terminator 3, Locos Por La Ciencia...)

Desgraciadamente, Danny Beckerman murió hace unos pocos años sin obtener el reconocimiento que a buen seguro merecía. Viva Danny.

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His name appears associated to several psyco-pop bands of the late 60s and early 70s. Writing many interesting songs, producing, arranging... but it has never been very clear who Danny Beckerman really was, and nobody has ever cared to trace his work with any detail. In spite of leaving a surpising trail of dramatic songs, usually of a classical inspiration, occasionally dressed with some psychedelic touches, and with some choruses which were pointing to hit parades that always remained too distant.

He first appeared, at 19, as part of the musicians staff at Morgan Sound studios in Willesden, north west London, with Geoff Gill from The Smoke, and Wilson Malone from The Orange Bicycle, among others. These studios were part of an organization set by Monty Babson, a producer and singer, and by Barry Morgan, a professional drummer (later in Blue Mink). The company owned said recording studios, a publishing and production department called Morgan Music, and a couple of record labels: Morgan for average and more conventional music, and Morgan Blue Town for more creative material. The Stones, Led Zeppelin, Paul McCartney, Pink Floyd, David Bowie, Free, Jethro Tull, Fairport Convention, The Four Seasons and many others recorded at Morgan Sound studios, which were quite trendy at the time.

On that environment, a good deal of musical projects of assorted colours and intentions was cooked by the Morgan Sound team, studio inventions most of them. From psychedelic experiments to more commercial material, including anonimous instrumentals for soundtrack filling or library music.

Danny Beckerman was a man who seemed to achieve a strange and affectionate mixture of pop sensibility and a bittersweet classical inspiration in most of his work. Probably a bit like Michael Brown, from The Left Banke, but with a quite more european and decadent feel, in the good sense of the word. It seems he had some Mozart and Beethoven busts upon his piano at Morgan studios. Danny never quite really belonged to the official line up of any band though, during some time, he played live with Fortes Mentum, a group he created himself as a vehicle for some of his songs. He also played in most of the songs he produced and/or wrote, and obviously in the legendary LP "Pussy Plays", the only record by another of his inventions, the studio band Pussy.

There's a bit of everything on the small collection of songs we've gathered here: Classical-psych pop of a high size like "Saga Of A Wrinkled Man" or "Mr. Partridge Passed Away Today", exotical eastern touches in "Marrakesh", the awesome "Joe, Organ & Co" from Barnaby Rudge (a studio only project of Danny Beckerman and Wilson Malone, with the intense voice of Malone), the wide mind excursions of Pussy, or the open attempts at a hit with songs stuffed with captivating choruses like both by Angel Pavement, a band from York. We also have "Jack Is Back", the great parody at The Smoke almost success "My Friend Jack", or "Bonjour Monsieur", a sample of sensitive and anonimous library music in the Colour Me Instrumental LP. Apparently quite different material, but with an undeniable sense of melody and with songs as tall as a tree. A big one, that is.

Danny Beckerman later worked with such different artists as Rick Wakeman, Adam & The Ants or Alex Harvey. He insisted with projects like The Intergalactic Touring Band (again with Wilson Malone) in 1977. And it seems that, after many years chasing a success which didn't have his name on, our man migrated to Australia, placing the occasional song or production and arrangement here and there, and also working on the handy job of writing music for films and TV series (Terminator 3, Pirate Islands, Wicked Science...)

Sadly, Danny Beckerman passed away a few years ago without getting the recognition he so strongly deserved. Viva Danny.

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Gun Hill Road - First Stop

2009-08-11T18:34:00.001-07:00

Gun Hill Road (First Stop) Mercury SR 61341 - 1971

Gun Hill Road es una larguísima avenida del Bronx, en New York, con una longitud de casi 6 Kms. También es el nombre elegido para la banda que un tal Glenn Leopold montó a principios de la década de los 70, como vehiculo para sus canciones. Tras este primer disco, y para el segundo, lo acortaron a Gunhill Road.

El primer LP del grupo fué publicado en 1971 y pasó bastante desapercibido para la mayor parte de la humanidad, a excepción de algunos familiares y amigos. Un verdadero crimen, ya que es un disco que navega bastante por encima del nivel medio. Bueno, tal vez fuera por eso mismo.

En "First Stop" se puede encontrar una entrañable pequeña colección de canciones que transmiten una sobria emocionalidad y una intimidad nocturna. Todo ello, arropado con una orquestación de cámara y llevado por la personal y cálida voz del Sr. Leopold. Sin olvidar los coros, tan envolventes y en su punto. Mis favoritas son "My Lady Loves The Day" y su ternura, especialmente ese final orquestal, la melodía y el ambiente de "Cargoes", o la intimista realidad de "I Will Never Face The World Again". También destacan la redonda melodía de "New York Morning" y la dramática y acústica "Daybreak". Incluso hay canciones radiables como "Man Of Trade" o "Thoughtcatcher". Aunque parece ser que la mayor parte de las emisoras no estuvieron por la labor.

Con el segundo álbum, al año siguiente, tampoco parecía pasar nada a pesar de mantener un notable nivel. Hasta que a alguien se le ocurrió regrabar algunas de las canciones y relanzar el disco en 1973. Una buena idea, parace ser. "Back When My Hair Was Short", la canción medio broma del LP, se había regrabado con el rítmo un poco más rápido y con la letra cambiada, ya que la original hacía tal vez demasiadas referencias a algunas drogas como para ser programada en las emisoras de radio. Todo un acierto, ya que el single en cuestión tuvo bastante éxito y fué editado en medio mundo, incluído el nuestro.

A pesar de todo, las nuevas luces no parecieron servir de mucho y el grupo se disolvió poco después. Glenn Leopold se pasó a trabajar en películas de dibujos animados, cosa que sigue haciendo en la actualidad. Quedan atrás un par de grandes LPs con altas dosis de melodía y sentimiento, infravalorados y olvidados como tantos otros.

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Gun Hill Road is a quite long avenue of about three and a half miles in the Bronx, New York. It's also the chosen name for the band that a certain Glenn Leopold put together at the very start of the 70s, as a vehicle for his songs. After this first LP, and for the second one, they shortened that name to Gunhill Road.

The first album of the band was released in 1971 and it went quite unnoticed for the most part of mankind, excepting some relatives and friends. A true crime, 'cause it's a record which sails quite above the medium level. Well, perhaps it was because of that.

In "First Stop" you may find a most affectionate little collection of songs that trasmit a sober emotionality and a nocturnal intimacy. All of it, dressed with some chamber orchestration and led by the personal and warm voice of Mr. Leopold. Not forgetting the background vocals, so tight and well done. My favourite songs are "My Lady Loves The Day" and its terderness, specially in that orchestral ending, the melody and atmosphere of "Cargoes", or the intimist reality of "I Will Never Face The World Again". Remarkable also the great melody of "New York Morning" and the acoustic and dramatic "Daybreak". There's even radio-friendly songs like "Man Of Trade" or "Thoughtcatcher". Though it seems that most part of the radio stations didn't even think about it.

In spite of keeping a notable level, nothing seemed to be happening too with their second album the following year. Until someone had the idea of re-recording some of the songs and re-release the LP in 1973. A good move, indeed. "Back When My Hair Was Short", the bit-of-a-joke song of the record, was re-recorded with a faster rhythm and with some of the lyrics changed, because the original ones mentioned some drugs too much for being easily accepted in most radio stations. It was a wise decision, and the single with that song had quite a success and was even released in half of the world.

However, those new lights didn't prove to be that useful anymore and the band vanished some time later. Glenn Leopold moved to the cartoon films field, where he's still at it nowadays. Leaving behind a couple of great albums with a high dose of melody and feeling, undervalued and forgotten like so many others.

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Mike Hugg - Stress & Strain

2009-08-02T05:56:00.000-07:00

Mike Hugg (Stress & Strain) Polydor 2383 213 - 1973

El pasado Abril tuvimos el primer LP en solitario de Mike Hugg, "Somewhere". Aqui está ahora el segundo.

En "Stress & Strain" hay un tono general tal vez más relajado y reflexivo... si exceptuamos el único "alien" del disco, "Paradise City", una especie de reggae veraniego que incomprensiblemente rompe con el ambiente general del LP. ¿Tal vez imposiciones "comerciales"? ... Vaya Vd. a saber.
En cualquier caso, ahí está el humeante ritmo hipnótico de "Stress & Strain" abriendo el álbum y editada también como single. También está la espacial "So Sorry Please" con un fantástico estribillo, el pop clásico de "Tonight", la sólida fragilidad de "Solitaire", o la delicada "If You're Missing Me".

Un par de años más tarde Mike formaría un nuevo grupo más colorista llamado Hug, con una orientación marcadamente R & B y con rítmos bailables en su mayoría.

Mike Hugg sigue en activo actualmente, alternando la ocasional reunión de The Manfreds, con su trio de jazz mutante PBD (Piano, Bass, Drums). Larga vida al hombre de música.

Por cierto, puedes escuchar la canción "Wichita", segundo y último single de un posterior grupo suyo, Mike Hugg's Freeway, haciendo click en el enlace a mi otro blog, Canciones Atómicas, arriba a la derecha.

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Last April we posted Mike Hugg's first solo LP "Somewhere". Here's now the second one.

"Stress & Strain" has probably a more relaxed and reflexive overall mood... with the exception of the only "alien" of the record, "Paradise City", some kind of summer reggae that amazingly breaks the general ambient of the LP. Some "commercial" requirements maybe? Who knows.
Anyway, here's the hipotic smokey rhytm of "Stress & Strain" opening the album and also released as a single. There's also the wide and spacey "So Sorry Please" with such a fantastic chorus, the classic pop of "Tonight", the solid fragility of "Solitaire", or the delicate "If You're Missing Me".

A couple of years later Mike would form a more colourful new band called Hug, with a marked R & B orientation and with danceable rhytms.

Mike Hugg is still active in music nowadays, alternating the occasional Manfreds reunion with his own mutant jazz trio PBD (Piano, Bass, Drums). Long live the music man.

By the way, you may have a listen to "Wichita", second and last single of a later project, Mike Hugg's Freeway, just clicking on the link to my other blog, Canciones Atómicas, here at the upper right side.

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Laurie Styvers - Colorado Kid

2009-07-16T03:44:00.001-07:00

Laurie Styvers (Colorado Kid) LP Chrysalis 63 07 512 - 1973

... Y, aquí está el segundo.

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... And, here's the second one.

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Laurie Styvers - Spilt Milk

2009-07-10T03:26:00.000-07:00

Laurie Styvers (Spilt Milk) LP Chrysalis 63 07 506 - 1972

La joven americana Laurette Stivers aterrizó en el multicolor Londres de finales de los 60 y, a través de un anuncio en la prensa musical, se unió a Keith Trowsdale y John McBurnie, un par de músicos que andaban buscando una voz femenina para su proyecto. El trio graba una maqueta que pronto les consigue un contrato discográfico y en 1969 editan su primer single con el nombre de Justine. El disco es la primera referencia de la rama inglesa del sello americano Dot y cuenta ya con la producción de un hombre que en los próximos años será fundamental para Laurie: Hugh Murphy.

Justine amplian su plantilla y graban un LP que se mueve por terrenos de folk rock inglés y sonidos de la costa oeste americana. De cualquier modo, Laurie Styvers no tenía un papel destacado en el grupo, siendo tan sólo una de varias voces y co-escribiendo únicamente una de las canciones. De nuevo producido por Hugh Murphy, el album es editado en Enero de 1970, esta vez por UNI, otro sello americano operando en Inglaterra. Aunque Laurie sigue haciendo algún directo ocasional con el grupo, abandona Justine antes de la publicación del LP y junto con Hugh, para entonces ya su novio, prepara sus propias canciones para seguir en solitario.

La carrera de Laurie Styvers, no obstante, será demasiado corta. En 1972 se edita su primer LP, "Spilt Milk", y al año siguiente ve la luz su segundo y último album, "Colorado Kid". Es todo. Los dos discos en cuestión presentan una cierta continuidad de estilo e intención y podrían incluso formar un doble LP, si bien el segundo es un tanto más elaborado y serio. Ambos discos tienen la cuidada producción de Hugh Murphy, que también co-escribe alguna de las canciones junto con Laurie. También los dos albumes cuentan con los sobrios y elegantes arreglos orquestales de Tom Parker, y con algunos músicos de sesión de renombre, sobre todo en "Colorado Kid", como Gary Taylor y Andrew Steele (The Herd), Adrian Legg (sus guitarras), Henry Spinetti (batería de medio mundo), Chris Stewart y Mick Cox (Eire Apparent), Jerry Donahue (Fotheringay y Fairport Convention), o Mal Luker (The Smoke).

Son dos LPs muy personales y tal vez demasiado introspectivos y melancólicos para pertenecer a la típica cantautora americana de los 70. Cuentan con un gran sentido de la melodía y con un pausado apasionamiento y las orquestaciones de Tom Parker les dan una especial calidez. En "Spilt Milk" podemos encontrar la inmediatez de "Beat The Reaper", la amplitud de "Five Leaves Left" (nada que ver con la Nick Drake), el vaudeville de la encantadora "Pigeons", o el color de "Inside You". En "Colorado Kid" está "You Are My Inspiration", la canción que Carole King nunca escribió, y también allí viven la magnitud de "Heavenly Band", la intimidad de "You Can Fly Me To The Moon" (ecos de Laura Nyro en ese estribillo...), o la grandeza de "You Be The Tide, I'll Be The Bay" (con el impagable sitar sicodélico del Smoke Mal Luker).

Y entonces la vieja historia. Los discos recibieron muy buenas críticas... pero ventas muy pobres. Durante un tiempo se pudieron ver ambos LPs, sobre todo el primero, en las gavetas de rebajas y saldos de muchas tiendas. Hasta su desaparición total. También Laurie desapareció. Vistos los resultados en el mundo del disco y también en el mundo sentimental tras su separación de Mr. Murphy, regresó a Estados Unidos y poco o nada se ha vuelto a saber de ella desde entonces. Tan sólo que murió hace unos diez años. Nunca se han reeditado sus dos albumes y nunca se ha hablado de ella en las revistas del ramo. Nuestro humilde homenaje para Laurie.

A Hugh Murphy, alumno de Shel Talmy, las cosas le fueron mejor. Tras sus producciones de grupos más o menos subterráneos como Unicorn, Diabolus, String Driven Thing o Gracious, dió en la diana con Gerry Rafferty ("Baker Street") y trabajó con Linda Thompson, Mike Heron, Kursaal Flyers, Kilburn & The High Roads y The Proclaimers, entre otros, además de co-escribir alguna canción que otra con Van Morrison.

Por su parte, el arreglista Tom Parker ha seguido trabajando con muchos artistas, como Gerry Rafferty, Tim Rose, Chris White....o Alaska Y Dinarama (en Deseo Carnal, 1984). La vida es una tómbola.

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The young american Laurette Stivers landed in the multicoloured late 60s London and, through an advert in the press, joined Keith Trowsdale y John McBurnie, two musicians who were looking for a feminine voice for their project. The trio made a demo which soon had them a recording contract and in 1969 they released their first single with the name of Justine. This record was the first issue of the english branch of the american label Dot and was already produced by a man who would be very important for Laurie in the coming years: Hugh Murphy.

Justine expanded their line-up and recorded an album which is moving betweeen british folk rock and american west coast sounds. Anyaway, Laurie Styvers didn't have a capital role in the band, being just one of several voices and co-writing only one song. Again produced by Hugh Murphy, the LP was released in January 1970, this time by UNI, another american label operating in U.K. Though Laurie kept on doing some occasional gigs with the band, she left Justine before the album was released and with Hugh, by then her boyfriend, prepared her own songs for a solo career.

A career that, nevertheless, would be too short. Her first LP, "Spilt Milk", was released in 1972 and her second and last one, "Colorado Kid", saw the light of day the following year. That's all. Both records have a certain continuity in style and intention, and could even form a double album, even though the second one may be a bit more complex and serious. Hugh Murphy was producing both LPs and even co-writing with Laurie some of the songs. Also the two of them have the sober and elegant orchestral arrangements of Tom Parker and, specially "Colorado Kid", also the instrumental contribution of some well respected session players of the moment like Gary Taylor and Andrew Steele (The Herd), Adrian Legg (his guitars), Henry Spinetti (drummer for half of the world), Chris Stewart and Mick Cox (Eire Apparent), Jerry Donahue (Fotheringay and Fairport Convention), or Mal Luker (The Smoke).

They are two very personal LPs and probably too melancholic and introspective for openly belonging to some tipical 70s american singer-songwriter. They have a great sense of melody and some sort of slow passion. Also, Tom Parker's orchestrations give them a special warmth. In "Spilt Milk" we can find de immediate feeling of "Beat The Reaper", the amplitude of "Five Leaves Left" (not the one of Nick Drake), the vaudeville of the charming "Pigeons", or the colour of "Inside You". In "Colorado Kid" we find "You Are My Inspiration", the song Carole King never wrote, and dwelling also there there's the magnitude of "Heavenly Band", the intimacy of "You Can Fly Me To The Moon" (echoes of Laura Nyro on that chorus...), or the greatness of "You Be The Tide, I'll Be The Bay" (with the floating psychedelic sitar of Mal Luker, ex - The Smoke).

And then, same old story. These two albums received very good reviews... but very poor sales. For some time both LPs, specially the first one, could be seen on the bargain bins of many shops. Until they vanished. Laurie also vanished. Seen her results in the record world, and also in the sentimental world after splitting from Mr. Murphy, she went back to USA and little or nothing has been heard from her ever since. Only that she died about ten years ago. Her two albums have never been reissued and no music magazine seems to have ever had any feature about her. Our humble homage to Laurie.

Hugh Murphy, a Shel Talmy pupil, had a better fate. After producing some more or less underground bands like Unicorn, Diabolus, String Driven Thing o Gracious, he had some bingo with Gerry Rafferty ("Baker Street") and worked with, among others, Linda Thompson, Mike Heron, Kursaal Flyers, Kilburn & The High Roads and The Proclaimers, besides co-writing some songs with Van Morrison.

Tom Parker has kept on making arrangements and playing for a lot of artists like Gerry Rafferty, Tim Rose, Chris White and a hundred more. Life is a lottery.

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Jess & James - Jess & James

2009-06-21T10:24:00.000-07:00

Jess & James (Jess & James) LP Belter 22.434 - 1969

Antonio y Fernando Lameirinhas (alias Tony & Wando Lam) son dos hermanos portugueses de Oporto que, de jóvenes y junto con su familia, emigraron a Bélgica en 1959. Ya en 1964 formaban The Modes, con quienes publican algún single. Tras una estancia en Inglaterra, donde tocaron con varios grupos de beat (entre ellos, probablemente, Screaming Lord Sutch), regresan a Bélgica en 1967 y forman una potente banda multinacional, The J.J. Band, con quienes pronto son la sensación de media Europa con arrasadores directos e irresistibles singles de rock-soul-pop.

Después de un primer LP, "Move", las clásicas diferencias de orientación musical provocan la separación de la banda, que sigue por su cuenta sin Jess & James. Tony y Wando entran entonces en contacto con un músico americano de jazz que andaba por Europa, Scott Bradford, que sería fundamental en el resto de la carrera de Jess & James, aportando ideas y parte de sus músicos. Scott publicaba en 1969 un LP instrumental de clara orientación jazz-prog para el sello americano Probe.

Un segundo LP, "Revolution, Evolution, Change", aún manteniendo una aproximación general de rock-soul, muestra ya alguna nuevas inquietudes sonoras que cristalizarían en el bizarro disco que ahora nos ocupa.

Estaba claro que los hermanos Lam estaban atravesando una época de pruebas musicales a granel. Casi al mismo tiempo, y con prácticamente la misma formación, la banda grabó un sorprendente disco instrumental experimental, mezclando el sonido swinging London y el euro jazz con ruiditos de incipiente sintetizador y otros ingrediente varios. Este LP se editó bajo el nombre de The Free Pop Electronic Concept.

Era casi el fin del proyecto Jess & James. En 1972, y tras un último single acreditado esta vez a Jess, Denis & James, Tony y Wando se trasladan a España. Ya habían estado aquí varias veces antes con su banda, pero ahora se unirían durante un tiempo a Los Canarios. Finalizada esta aventura se instalan en Holanda, en donde tienen bastante éxito con su nuevo grupo Sail-Joia, que les ocupa hasta finales de la década. Mucho después, en 1994, Wando reanuda su carrera musical, grabando algunos discos intermitentemente hasta la actualidad, pero ya como Fernando Lameirinhas, su nombre real.

Titulado simplemente "Jess & James", este tercer y último LP es realmente una bestia sonora, un disco prácticamente imposible de clasificar y de difícil etiqueta. Prog-soul hecho por portugueses en Bélgica !?

Grabado sin sección de viento como los anteriores, únicamente por el cuarteto de Tony, Wando, Scott Bradford y Stu Martin (bajo, guitarra, teclas y batería respectivamente), es un disco que mezcla sin pudor el emergente movimiento progresivo con el soul (sobre todo en la desgarrada forma de cantar de Wando), con algunos toques de jazz y rock de montaña con guitarras imposibles y swinging hammond. Un disco irrepetible que dejó un tanto descolocados a los fans más normalitos del grupo. En consecuencia vendió muy poco, constituyendose casi de inmediato en una auténtica rareza del euro-rock.

Las dos canciones "suaves" del disco, "Perdition Again" y "A Passing Car" son realmente estremecedoras y amplias. La que abre el disco, "Straight Man", es una anfetosa anticipación progresiva multicolor. En "Mrs. Davis" se dan la mano guapamente la edad de piedra y la era espacial. Caverna de neón con neuroguitarra y ritmo tribal. Ahí está también esa versión marciana de "She's A Woman". En fin... Un disco para aventureros, no apto para todos los públicos.

Hay que comentar obligatoriamente que la portada no hace justicia al disco en absoluto. Sobre todo en la edición española, que es la que tenemos aqui. Puro estilo Belter y utilizando una foto cutre un poco antigua. Al menos en la edición original belga se ven los cuatro del grupo...aunque tampoco es ninguna maravilla. "Mrs. Davis" y "A Passing Car" se editaron en single. Es todo un shock pensar que alguien en Palette, el sello discográfico, pudiera llegar a pensar que "Mrs. Davis", puro rock pétreo y underground, podría ser pinchada en la radio, siquiera una sola vez. Que tiempos.

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Antonio and Fernando Lameirinhas (aka Tony & Wando Lam) are two portuguese brothers from Porto that, when teenagers and with their family, migrated to Belgium in 1959. Already in 1964 they formed The Modes and released some single. After a spell in England, where they played with a few beat bands (Screaming Lord Sutch probably one of them), they went back to Belgium and in 1967 made a multinational group, The J.J. Band, and soon found themselves being the sensation in half Europe with their demolishing live shows and irresistible rock-soul-pop singles.

After their first LP, "Move", the classic musical orientation differences forced the band to split from the two brothers, and followed their way without Jess & James. Tony and Wando contacted then with an american jazz musician that was wandering around Europe, Scott Bradford, who would be a fundamental force for the rest of their career, adding his own ideas and part of his musicians. Scott himself released in 1969 an instrumental LP with an open jazz-prog orientation for the american label Probe.

A second LP, "Revolution, Evolution, Change", still keeping an overall rock-soul approach, was already showing some new sonic concerns which crystalized in the bizarre record we're having here now.

It seems a quite clear thing that the Lam brothers were full hands undergoing musical testings around this time. Almost at the same time, and with practically the very same line-up, tha band recorded a surprising instrumental experimental album, mixing swinging London sounds, euro jazz and other assorted ingredients with early synthesizer noises. This LP was released under the name of The Free Pop Electronic Concept.

It was almost the end of the Jess & James project. In 1972, and after a last single credited this time to Jess, Denis & James, Tony and Wando moved to Spain. They had already been here a few times in the past with their group, but now they would join for some time famous spanish band Los Canarios. After this adventure was over they moved to Holland, where they would find quite a success with their new group Sail-Joia, which kept them busy until the end of the 70s. Quite a long time later, in 1994, Wando re-started is musical career, recording sporadically and up until right now some solo albums, but now as Fernando Lameirinhas, his real name.

Titled simply "Jess & James", this third and last LP is really a sonic beast, an album almost impossible to classify and a quite hard one to put a tag on. Prog-soul made in Belgium by some portuguese !?

Unlike the former two albums, recorded without any horn in sight, and only by the quartet of Tony, Wando, Scott Bradford and Stu Martin (bass, guitar, keyboards and drums respectively), it's a record that unashamedly mixes the emerging prog movement with soul (specially in the torn and broken voice of Wando), with some touches of jazz, mountain rock and impossible guitars with swinging hammond. An album almost impossible to repeat which left astonished most common fans of the band and sold very few copies, making it almost immediately a real euro-rock rarity.

The two "smooth" songs in the album, "Perdition Again" and "A Passing Car", are really thrilling and "wide". "Straight Man", opening the LP, is a speedy and multicolour prog anticipation. In "Mrs. Davis", stone age and distant future go hand in hand. Neon cavern with neuroguitar and tribal rhythm. Here's also that martian cover of "She's A Woman". Well... A record for adventurers, not suited for all audiences.

We have to compulsorily comment that the cover absolutely doesn't make any justice to the album. Specially in this spanish release we're having here. With that pure "Belter" style and using a quite pedestrian and a bit old photo. At least, on the original belgian edition you can see all four members of the band... though it isn't any wonder either. "Mrs. Davis" and "A Passing Car" were released also as a single. It's really shocking to think that someone at Palette, the record label, could end up thinking that "Mrs. Davis", pure stoney underground rock, could be played in the radio even once. Such times.

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Link Eliminado

El propósito de este blog es divulgar y hacer accesibles algunos discos interesantes que no han sido nunca reeditados, y/o son muy difíciles de encontrar. No queremos interferir con la industria discográfica, especialmente con los pequeños sellos que se encargan de reeditar este tipo de grabaciones.
Supongo que a todo el mundo le gusta que le paguen por su trabajo y dedicación. A ellos también.

Por ello, hemos eliminado el link de descarga de este LP, que ya está disponible en las tiendas especializadas, también necesitadas de tu colaboración para que toda la gente que depende de la música pueda seguir viviendo con dignidad.

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Deleted link

The purpose of this blog is to spread and make available some interesting records which have never been re-released, and are quite difficult to find. We don't want to interfere with the music industry, specially with those small labels who are taking care of re-releasing this kind of recordings.
I suppose everybody likes to be paid for their work and dedication. They too.

Therefore, we have removed the download link of this LP, which is already available in specialized shops. They also need your collaboration, so that all the people who are depending on music may keep on living with some dignity.

Jerry Corbitt - Corbitt

2009-06-02T17:41:00.000-07:00

Jerry Corbitt (Corbitt) LP Polydor 24 4003 - 1969

Originalmente un cantante de folk de Georgia, Jerry Corbitt emigró a mediados de los 60 hacia el norte, en donde se unió a Jesse Colin Young para formar The Youngbloods.

En 1968 los deja durante la grabación del tercer disco del grupo para iniciar sus aventuras en solitario. Una de ellas fué producir el primer LP de los legendarios Mad River. El batería del grupo, Greg Dewey, se apuntaría muy poco después al primer disco en solitario de Jerry, que no tardó en grabarse, y que es el que aquí tenemos.

Producido por su amigo Charlie Daniels, quien ya se había ocupado anteriormente de The Youngbloods, es un disco un tanto bizarro. Toca varios géneros sin adentrarse claramente en ninguno. Potente rock con efluvios de costa oeste en "Let The Music Come Inside", "Delight In Your Love" y "Banned In Boston", con unas multicolores guitarras cortantes a cargo, en su mayoría, de Rick Turner (guitarrista de la ilustre banda psicodélica Autosalvage).

Un toque desgarrado y más dramático en "Out Of The Question" (con el moog del experimentalista Bernie Krause) o en "The Kahuna Song" que cierra el disco. En "I Love You All", extraída como single, nos las vemos con una especie mutante de rock soul sureño con sección de viento incluída. "The Rain Song" ya había sido publicada por The Youngbloods en su tercero, "Elephant Mountain", aunque aqui aparece en una versión mucho más ácida. Y también hay algunos ejercicios de country folk clásico. Clásico, si no fuera por la nota dominante en el disco: esa desgarradora voz, demasiado quebrada, aguardentosa y urgente para ser country.

En fin, un disco que, si hubiera sido editado por un anónimo grupo de algún lugar perdido, en una edición privada y con un extraño sello, a buen seguro traería de calle a los coleccionistas de medio mundo y parte del otro, y se pagarían fortunas por él. Pero se trataba de un artista relativamente conocido en su día, grabando en New York y editando en una multinacional. Así pues, el album no encontró su público, y Jerry Corbitt nunca haría otro disco igual, adentrandose en territorios mucho más convencionales para su segundo LP en 1970.

A partir de ahi, fué espaciando sus propias grabaciones y dedicandose a producir y tocar con otra gente (Don McLean, Janis Ian, Country Joe McDonald, Buffy St. Marie...) y a trabajar para algunas películas y anuncios. El año pasado, Jerry Corbitt publicó en su propio sello, Desert Wind, un nuevo disco, "Along For The Ride". Aunque, me temo que poco tiene que ver con este estrafalario artefacto, producto de aquellos benditos excesos de juventud. Qué dificil es envejecer decentemente.

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Originally a folk singer from Georgia, Jerry Corbitt migrated north in the mid 60s and joined Jesse Colin Young to form The Youngbloods.

In 1968, and during the recordings of their third album, he left the band to start his solo adventures. One of them was producing the first LP of the legendary Mad River. The drummer of this band, Greg Dewey, would soon be enlisted for Jerry's first solo album, which would be recorded a bit later, and which is the one we're having here now.

Produced by his friend Charlie Daniels, who had already been in charge of The Youngbloods, it's a rather bizarre album. It gets close to several different genres without clearly staying very long in any of them. Powerful rock with some west coast flavour in "Let The Music Come Inside", "Delight In Your Love" and "Banned In Boston", with some hard edged and colourful guitars, mostly played by Rick Turner (main axeman of distinguished psychedelic band Autosalvage).

A broken and more dramatic touch in "Out Of The Question" (with the moog of experimentalist Bernie Krause) or in "The Kahuna Song" which is closing the LP. In "I Love You All", lifted as a single, we're finding some kind of mutant southern rock soul including horns. "The Rain Song" had already been released by The Youngbloods in their third, "Elephant Mountain", though here's in a quite more acid version. And there's also some classic country folk exercises. Classic, if it wasn't for the dominant fact of the whole record: that tearing voice, too broken, harsh and urgent for being country.

Well, a record that, if it had been released by some anonymous band from a lost place, in a private pressing with some strange label, quite surelly would be driving mad collectors from half of the world and part of the other half, and big money would be paid for it. But it was by a rather popular artist in his time, recording in New York and releasing through a big multinational company. So, the album didn't find in fact its audience, and Jerry Corbitt would never make such a record again, entering safer and more conventional territories for his second LP in 1970.

From there on, he slowed down his own recordings and got into producing and playing for other people (Don McLean, Janis Ian, Country Joe McDonald, Buffy St. Marie...) and also working for some movies and adverts. Last year, Jerry Corbitt released a new album, "Along For The Ride", on his own label, Desert Wind. Though I'm afraid it has very little in common with this eccentric artifact we have here, surelly a product of those blessed youth excesses. How difficult it is to get old in a decent way.

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John Pantry - John Pantry

2009-05-12T06:57:00.000-07:00

John Pantry (John Pantry) Philips 6308 138 - 1972

Este es su primer LP en solitario aunque, cuando fué publicado a finales de 1972, John Pantry era ya un experimentado músico y técnico de sonido. En 1965 entró como aprendiz en los legendarios estudios IBC de Londres, donde tuvo la ocasión de trabajar con Shel Talmy o Glyn Johns, y también de estar en los controles en grabaciones de, entre otros, The Who o The Small Faces.

En 1966 forma el grupo Sounds Around quienes, tras un par de singles, se convierten en Peter & The Wolves. Con este nombre publican cinco singles entre 1967 y 1970. También intervienen en multiples grabaciones para otros artistas, y algunas de las suyas propias aparecen en discos con otros nombres: Norman Conquest, The Bunch, o The Factory están estrechamente ligados a John Pantry y su grupo.

En 1970, John abandona su asociación con el empresario y productor Eddie Tre-Vett, relación que le tenía inmerso en, tal vez, demasiadas actividades. En los últimos tiempos había estado grabando y tocando en directo con Peter & The Wolves, participando en grabaciones de otros, grabando maquetas de sus muchas canciones con vistas a colocarlas a otros artistas, o manejando los botones en multitud de grabaciones en IBC como, por ejemplo, en los primeros LPs de The Bee Gees.

La última encarnación de Peter & The Wolves publicó en 1972 su primer y único LP, aunque casi en secreto: El disco apareció con el nombre acortado a Wolfe, fué publicado por la filial de Motown, Rare Earth, y se editó únicamente en USA. Un curioso disco en el que se alternan canciones propias con algunas versiones, un tanto estrafalaria alguna de ellas.

Poco después, a finales de año, el sello Philips daba luz verde a "John Pantry", primer album de John propiamente. El disco, que cuenta con la orquestación y producción del australiano emigrado David MacKay, muestra claramente la sensibilidad de John Pantry para la melodía. Mis favoritas podrían ser "This Woman's Love", que ya grabó Kris Ife en 1968 o la encantadora "Jewel". Curiosamente, la única versión del disco corresponde a "October Song", canción de Robin Williamson perteneciente al primer LP de The Incredible String Band, y que John Pantry consigue que parezca suya propia.

Aparte de dos o tres canciones, usadas mayormente para singles, este album refleja el tono intimista y un tanto melancólico de alguien que, tras los excesos y la exuberancia propios de finales de los 60, parecía andar a la busqueda de "un algo". Nuestro hombre encontró "su algo" mientras producía una grabación del grupo de rock cristiano Parchment. Tras un rápido segundo LP en 1973, "Long White Trail", John abandonó definitivamente el tenebroso mundo secular y desde entonces, y hasta hoy, se ha dedicado únicamente a la música gospel y religiosa. El reverendo John Pantry ha publicado un buen montón de discos en este género y mantiene un programa diario, "Inspirational Breakfast", en la emisora Premier Christian Radio. Bendito sea.

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This is his first solo LP though, when it was released in late 1972, John Pantry already was an experienced musician and sound engineer. In 1965 he joined legendary IBC studios in London as an apprentice, and so had the chance of working with Shel talmy or Glyn Johns, and also to be at the control room while the recordings of, among others, The Who or The Small Faces.

In 1966 he formed the band Sounds Around who, after a couple of singles, mutated into Peter & The Wolves. With that name they released five singles between 1967 and 1970. They also played in a lot of other artists recordings and some of their own ones were released with different names: Norman Conquest, The Bunch, or The Factory are thightly related to John Pantry and his band.

In 1970, John left his association with producer and business man Eddie Tre-Vett, a relationship which had him immerse in probably too many activities. During recent times he had been recording and playing live with Peter & The Wolves, playing or singing in others recordings, making demos of his many songs in order to put them with some other artists, or handling the knobs as an engineer in many recordings at IBC, like the first three Bee Gees albums.

The last incarnation of Peter & The Wolves finally released their one and only album in the summer of 1972, though it was almost a secret: The record appeared with the name shorttened to Wolfe, it was released by the Motown label, Rare Earth, and it saw the light of day only in the USA. A curious LP where self penned songs alternate with some cover versions, some of them a little bizarre.

A bit later, at the end of the year, the Philips label gave green light to "John Pantry", John's first proper album. The record, with the production and orchestration of australian David MacKay, clearly shows John Pantry's sensibilities for a good melody. My favourite ones could be "This Woman's Love", already recorded by Kris Ife in 1968 or the charming "Jewel". Curiously, the only cover of the album is "October Song", a Robin Williamson tune from The Incredible String Band's first LP, which John Pantry manages to make it seem his own.

Two or three of the songs aside, mostly used as singles, this album reflects the intimist and a bit melancholic mood of someone that, after all the proper excesses and exuberancy of the late 60s, seemed to be looking for "a certain something". Our man found "his something" while producing the recording of a christian rock band called Parchment. After a quick second album, "Long White Trail", John definitively left the gloomy secular world and since then, right until today, he devoted himself only to gospel and religious music. Reverend John Pantry has released a bunch of records in that genre and is keeping his own program, "Inspirational Breakfast", in Premier Christian Radio. Bless him.

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Granny’s Intentions - The Singles 1967 – 1970

2009-04-30T17:40:00.000-07:00

Granny’s Intentions - The Singles 1967 – 1970

La evolución musical de Granny's Intentions podría bien ser la de tantos otros grupos de finales de los 60. Formados en Limerick, Irlanda, en 1965, comenzaron haciendo versiones, haciendose muy populares en la zona. En 1967 se trasladan a Londres y, tras actuar por los garitos de moda del momento, son fichados por el cazatalentos de turno y obtenienen contrato discográfico con el entonces emergente sello Deram (The Move, The Moody Blues, Cat Stevens, Honeybus, David Bowie y tantos otros).

El primer single es un redondo disco de psico-pop, con grandes melodías llevadas por la personal voz del cantante Johnny Duhan, que incorporan los efluvios psicodélicos de la época. Producidas por Tony Clarke, en aquel momento trabajando también con The Moody Blues entre otros, "The Story Of David" y "Sandy's On The Phone Again" (mi favorita), se han convertido en clásicos del género.

Para el segundo single se recurre a uno de los tandems de moda: Wayne Bickerton y Tony Waddington. "Julie Don't Love Me Anymore", todavía siguiendo los patrones del pop psicodélico, es una preciosa canción, tal vez más asequible. "Hilda The Bilda" es una pequeña dosis de "toytown pop". Wayne Bickerton se hace cargo de la producción en el resto de las grabaciones del grupo y, para el tercer single se decide intentar ir a por un éxito claro, de una vez por todas, con una canción muy comercial escrita por unos habituales de las listas de ventas, Ben Findon y Pete Shelley (no el de Buzzcocks!). "Never An Everyday Thing" había sido grabada unos meses atrás por Wayne Fontana pero tampoco Granny's Intentions consiguieron el apetecido objetivo.

Finalmente, tras una seria reconsideración de orientación y un conato de separación, abandonan radicalmente el pop y graban un LP mucho más integrado en la vena rock que traía el cambio de década. "Maybe" es la canción que abría el único larga duración de Granny's Intentions y la elegida para cuarto y último single del grupo. "Take Me Back" ocupaba la cara B del single, y no fué incluida en el LP.

Tras unas ventas mucho más que discretas, el grupo regresó a Irlanda y tranquilamente se disolvió en el éter de los tiempos. El líder y cantante, Johnny Duhan, se convertiría con el tiempo en uno de los más reputados cantautores de Irlanda. Los coleccionistas del futuro conocerían y valorarían el único LP de Granny's Intentions por su rareza, por su buena factura dentro del rock de la época, y por la participación en él de un jovencito de 17 años llamado Gary Moore. Pero casi nadie parece haber reparado nunca en los singles, en la época psicodélica y pop del grupo. Aquí están.

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The musical evolution of Granny's Intentions could well be that of so many other bands in the late 60s. Formed in Limerick, Ireland, in 1965, they started doing some covers, becoming quite popular in the area. In 1967 they moved to London and, after playing around the fashionable club circuit, they were spotted by some talent hunter and got a recording contract with the then emerging Deram label (The Move, The Moody Blues, Cat Stevens, Honeybus, David Bowie and so many others).

Their first single is an almost perfect psych-pop record, with great melodies driven by the personal voice of lead singer Johnny Duhan, and incorprating some psychedelic emanations of the moment. Produced by Tony Clarke, at the time working with The Moody Blues and others, "The Story Of David" and "Sandy's On The Phone Again" (my favourite one), have become classics of its genre.

For the second single, someone thought about one of the most popular tandems around at the moment: Wayne Bickerton and Tony Waddington. "Julie Don't Love Me Anymore", still following de psych pop patterns, is a beautiful and probably more accesible song. "Hilda The Bilda" is a little dose of "toytown pop". Wayne Bickerton took on the production duties for the rest of the group recordings and, for their third single it was decided to openly go for a hit, once and for all, with a quite commercial song written by professional chart dwellers, Ben Findon and Pete Shelley (not the Buzzcocks one!). "Never An Everyday Thing" had previously been recorded by Wayne Fontana a few months earlier. But neither Granny's Intentions could achive the pretended goal.

Finally, after seriously reconsidering their musical orientation and a false split, they radically abandoned pop and recorded an LP quite more integrated with the environment in the change of decade. "Maybe" is the opening song of Granny's Intentions only LP and the chosen one for their fourth and last single. "Take Me Back" was on the B side and wasn't included on the LP.

After more than discreet sales, the band went back to Ireland and quietly dissolved into the mist of time. Lead singer, Johnny Duhan, would quite later become one of the most respected irish singer-sonwriters. Record collectors of the future would know and value Granny's Intentions only LP for its rarity, for its good 70s rock making, and for the participation of a 17 year old boy called Gary Moore. But almost nobody seems to have ever noticed the singles, the psych and pop times of the band. Here they are.

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Mike Hugg - Somewhere

2009-04-19T18:35:00.000-07:00

Mike Hugg (Somewhere) Polydor 2383 140 – 1972

Y, hablando de los hermanos Hugg, aqui está el primer LP en solitario de Mike.

Ya desde los tiempos de los Manfred Mann más 60s, las canciones de Mike Hugg han sido siempre una de mis muchas debilidades: el jazz instrumental de "Bare Hugg", la redonda "Each And Every Day" (también acertadamente grabada por Simon Dupree & The Big Sound), la candidez de "All I Wanna Do", el pop intemporal de "Each Other's Company" y "Harry The One Man Band", el pop barroco de "Everyday Another Hair Turns Grey", joyas del pysco pop como "It's So Easy Falling", "Up The Junction" y "Funniest Gig", o la grandiosa "Too Many People".

Después de su intenso trabajo y éxitos con Manfred Mann, haciendo rhytm & blues primero y pop después, Mike Hugg se pasó de la batería a las teclas y formó, junto con el propio Manfred Mann, un grupo más acorde con los tiempos progresivos, Manfred Mann Chapter Three. Tras un par de LPs, Manfred Mann siguió camino con su Earthband y Mike Hugg inició su carrera en solitario.

Si existiera un hipotético género llamado "pop progresivo", el primer disco de Mike Hugg, "Somewhere", sería un más que buen representante. Un gran sentido de la melodía, como siempre, pero ahora unido al característico espiritu de los 70s. Y todo ello sazonado con un personal toque agridulce y melancólico y con esa particular forma de cantar. Ahí están la dramática y desolada "Bonnie Charlie" con una orquestación que pone los pelos de punta, el intimismo cercano al disco perdido de Wil Malone de "Sad Song" o "Somewhere", y grandes canciones intemporales como "Love Is Waiting" y "Goodbye". En el LP también hay destellos de prog rock de los 70 de impecable factura como "Fool No More" o "Bessie Don't You Cry".

Mike Hugg sigue en activo actualmente, alternando la ocasional reunión de The Manfreds, con su trio de jazz mutante PBD (Piano, Bass, Drums). Larga vida al hombre de música.

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And, talking about the Hugg brothers, here’s Mike’s first solo album.

Since the early times of the 60s Manfred Mann, Mike Hugg's songs have always been one of my many weaknesses: the instro jazz of "Bare Hugg", the perfect pop of "Each And Every Day" (also greatly covered by Simon Dupree & The Big Sound), the naivety of "All I Wanna Do", the out of time pop of "Each Other's Company" and "Harry The One Man Band", the baroque pop of "Everyday Another Hair Turns Grey", pych pop jewels like "It's So Easy Falling", "Up The Junction" and "Funniest Gig", or the plainly great "Too Many People".

After his hard work and success with Manfred Mann, doing r & B first and then just simply great pop, Mike Hugg changed his drum stool for a keyboard and with Manfred Mann himself formed a new band, closer to those prog times, Manfred Mann Chapter Three. After a couple of LPs Manfred Mann followed with his Earthband, while Mike Hugg started his solo career.

If ever there was a style or genre called "progressive pop", Mike Hugg's first album, "Somewhere", would be a more than qualified representative. A great sense of melody, as usual, but now dressed with that characteristic 70s spirit. All this seasoned with his personal melancholic sweet and sour touch and that particular way of singing. Here's the dramatic and desolate "Bonnie Charlie" with a chicken skin orchestration, the intimacy of "Sad Song" or "Somewhere", quite close to the Wil Malone lost album, and great out of time songs like "Love Is Waiting" or "Goodbye". In the album there's also some sparks of faultless 70s prog rock like "Fool No More" o "Bessie Don't You Cry".

Mike Hugg is still active in music nowadays, alternating the occasional Manfreds reunion with his own mutant jazz trio PBD (Piano, Bass, Drums). Long live the music man.

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Cherry Smash - All 3 Singles & More

2009-04-09T16:59:00.000-07:00

Cherry Smash - All 3 Singles & More (1967 - 1969)

La pequeña historia de Cherry Smash bien podría ser la de tantos otros grupos de "flower pop" en la multicolor Inglaterra de finales de los 60. Si bien el parentesco de uno de sus principales miembros, con toda seguridad, les debió ayudar a conseguir el ansiado contrato discográfico.

Bryan Hugg era hermano de uno de los motores del entonces ya afamado grupo Manfred Mann: Mike Hugg. Bryan adoptó el nombre artistico de "Sebastian" y formó en Gosport, cerca de Portsmouth, un grupo bautizado como Cherry Smash, quienes, en el transcurso de unos tres años, editaron tres únicos singles. Únicos porque las seis canciones que habitan en ellos son su corto legado, y también porque son perfectas representantes de cierto psico pop británico de la época, en el que acertadas e imaginativas melodías podían estar perfectamente dirigidas a ocupar los altos puestos de las listas de venta. Aunque tampoco este fuera el caso.

Los hermanos Hugg ya habían escrito juntos alguna que otra canción como "Mr. You're A Better Man Than I", grabada por The Yardbirds en 1966 y versioneada hasta la saciedad por mil grupos de garage en todo el mundo. Poco después, y ayudados por uno de los guitarristas del grupo, Mick Gill, se marcaron la preciosa "Sing Songs Of Love" que sirvió como primer single de Cherry Smash a finales de 1967. Pocos meses más tarde, una versión diferente y más corta de la canción (aquí incluida) aparecía en la banda sonora de "Up The Junction", pelicula musicada por Manfred Mann. Aunque la intervención de Cherry Smash, por alguna razón, no aparecía en los créditos del disco.

Hubo que esperar casi un año para la edición del segundo single, "Goodtime Sunshine", publicado por Decca tras la deserción de Mick Gill. Nuevamente compuesta por los hermanos Hugg, es una de esas canciones de "pop perezoso", al estilo de algunas de The Kinks, que podría ser una perfecta sintonía para algún etéreo verano perdido. La cara B, era mucho más que eso, con un buen riff y una acertada melodía. Tampoco el éxito apareció en el horizonte.

Asi que, para el tercer single se eligieron dos canciones externas al grupo, mucho más guerreras y psicodélicas. "Fade Away Maureen" era la cara A y estaba compuesta por Tony Hazzard, quien ya había escrito algunos éxitos para gente como The Hollies, Manfred Mann, Herman's Hermits o The Yardbirds. Pero Cherry Smash tampoco esta vez se unió a la lista de la fortuna. La cara B era una particular versión de "Green Plant", single anterior del grupo americano The Tokens, y también grabada por The Majic Ship.

Corto e intenso legado de otra banda que, en su día, no obtuvo gran cosa del descreído y cínico mundo del pop, pero que, con el tiempo, ha adquirido un status de leyenda en su género. Mundo ingrato.

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The little story of Cherry Smash could well be that of so many other "flower pop" bands in the multicoloured late 60s U.K. Though some relative of one of its main members may well have helped gaining that desired recording contract.

Bryan Hugg was brother of one of the driving forces behind the already famous band Manfred Mann: Mike Hugg. After adopting the artistic name of "Sebastian", Bryan formed a group called Cherry Smash in Gosport, close to Portsmouth. During their three years life, they released only three singles. Only, because the six songs dwelling in them is their complete and short legacy. Short, but perfectly representative of a certain british psych pop of the time, in which well crafted and imaginative melodies could well be aimed at the top of the hit lists. Although this wasn't either the case.

The Hugg brothers had already written together some songs, like "Mr. You're A Better Man Than I", as recorded by The Yardbirds in 1966 and insistently covered at the time by a thousand garage bands all over the world. A bit later, and with the help of one of the band's guitarists, Mick Gill, they wrote the beautiful "Sing Songs Of Love" which served as Cherry Smash first single in late 1967. A few months later, a different and shorter version (included here) appeared in the "Up The Junction" original soundtrack LP. A film with most music written and played by Manfred Mann, though for some unknown reason, the Cherry Smash appearance went completely uncredited.

Almost one year later, and after the departure of Mick Gill, Decca released their second single "Goodtime Sunshine". Again written by the Hugg brothers, it's one of those "lazy pop" songs, in the style of some by The Kinks, which could perfectly be the theme tune for some ethereal and lost summer. The B side was quite more than that, with a good riff and a great melody line. But success again did not appear on the horizon this time.

So, for the third single, two rockier and more psychedelic songs from outside the band were chosen. The A side was "Fade Away Maureen" and was written by Tony Hazzard, who already had penned some hits for people like The Hollies, Manfred Mann, Herman's Hermits or The Yardbirds. But neither this time Cherry Smash joined the fortune list. The B side was a particular cover of "Green Plant", a 1967 single by american band The Tokens, and also recorded by The Majic Ship.

Short and intense legacy from another band who, in their time, didn't get such a great deal from the unbelieving and cynical pop world. But with the passing of time, Cherry Smash has achieved an almost legendary status in its genre. Ungrateful world.

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The Smoke - The Smoke

2009-03-27T06:53:00.000-07:00

The Smoke (The Smoke) LP Sidewalk / Tower 5912 - 1968

Probablemente por causa de los hábitos humeantes de la juventud del momento, había varios grupos llamados The Smoke en el mundo a finales de los 60. Los caballeros del psyco pop del Reino Unido, una oscura banda en Auckland, Nueva Zelanda, y al menos tres en E.E.U.U.: unos de Michigan con un solitario single; otros, moteros de Hoston, Texas, con dos LPs en su haber. Y los que aquí nos ocupan, invento californiano de un personaje de larga carrera de fondo llamado Michael Lloyd.

Este LP era el primer trabajo "en serio" de Michael tras sus primeros escarceos con The West Coast Pop Art Experimental Band y producciones varias, aprovechando el tiempo y la calidad del estudio que le ofrecía su nuevo patrón Mike Curb. Con un par de amigos, y sin la intervención de absolutamente nadie más (orquesta aparte), se marcaron un disco que, cuarenta años despues, sigue desafiando el paso del tiempo y de los estilos. A pesar de que, como suele suceder con demasiadas grandes obras, pasó bastante desapercibido en su momento.

La canción que abre el disco, "Cowboys And Indians", ya marca el camino de altura. El instrumental "The Hobbit Symphony", escrito por el guitarrista Stan Ayeroff, es un pequeño y encantador compendio de los sonidos y ambientes de la época. "October Country" había sido grabada ya anteriormente por un grupo de igual nombre bajo la producción del propio Michael Lloyd, y también fué editada en single promocional aunque, curiosamente, con el nombre del grupo cambiado a Raw Edge (Sidewalk 936). Incluimos aquí esta versión del single como un extra. Es una preciosa canción con una sólida y cálida melodía que queda flotando en el aire.

The Smoke no llegó a tocar en directo y, posteriormente, Michael Lloyd siguió con producciones diversas, y con proyectos y grabaciones como Friends (un par de LPs a principios de los 70), o como Cotton, Lloyd & Christian (otro par de albumes en 1975 - 1976). Aunque, lo que realmente le pagó su actual mansión en Beverly Hills fueron sus producciones y trabajos posteriores para gente como, The Osmonds, Belinda Carlisle, The New Seekers, Eric Carmen, Stryper o la banda sonora de "Dirty Dancing". Qué vueltas da la vida.

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Probably because of the smoking habits of the youth at the time, in the late 60s there were several bands called The Smoke around the world. The pysco-pop british gentlemen, an obscure band from Auckland, New Zealand, and at least three different ones in the U.S.A.: A Michigan group with a lone single, a band of Houston bikers with a couple of LPs, and the ones we're dealing with here, a californian invention from a long careeer character: Michael Lloyd.

This LP was the first "serious" work of Michael after his first moves with The West Coast Pop Art Experimental Band and several productions for others, taking advantage of the studio time and the quality of the facilities offered by his new boss Mike Curb. With a couple of friends, and without anyone else's input (save the orchestra), they made a record that more than forty years on still defies the passing of time and styles, in spite of its more than discreet sales at the moment, as too usually happens.

The opening song, "Cowboys And Indians", already points at the high level of the record. The instrumental "The Hobbit Symphony", written by guitarist Stan Ayeroff, is a little and charming epitome of the sounds of the moment. "October Country" had already been recorded and released by a band with the same name under the guidance and production of Michael Lloyd himself. It was also released as a promo single though, curiously, under the different name of Raw Edge (Sidewalk 936). We're including here this single version as a bonus track. It's a wonderful song with such a solid and warm melody line wich remains floating in the air.

The Smoke didn't get to play live and after this album, Michael Lloyd went on with assorted productions and several recording projects like Friends (a couple of LPs in the early 70s), or like Cotton, Lloyd & Christian (another two albums in 1975 - 1976). Though, what really paid his current big mansion in Beverly Hills were his later productions and works with people like The Osmonds, Belinda Carlisle, The New Seekers, Eric Carmen, Stryper or the original soundtrack of "Dirty Dancing". How life turns indeed.

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Keith West - The Deram Singles

2009-03-20T08:01:00.000-07:00

Riding For A Fall / Days About To Rain (Deram DM 402) 1973

Havin' Someone / Know There's No Livin' Without You (Deram DM 410) 1974

A modo de continuación, aquí están los dos singles que el sello Deram editó de Keith West a principios de los 70. Las canciones nunca han sido reeditadas, a excepción de "Havin' Someone" que apareció en el CD "Excerpts From...Keith West / Groups And Sessions" (rpm 141 - 1995), actualmente descatalogado. Lástima que Keith no siguiera grabando unos cuantos más. Por lo menos.

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Following the former posting, here's both Keith West singles which the Deram label released in the early 70s. The songs have never been re-released, with the exception of "Havin' Someone" which appeared in the CD "Excerpts From...Keith West / Groups And Sessions" (rpm 141 - 1995), currentlty deleted.
A shame Keith didn't keep on recording a few more at least.

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Keith West - Wherever My Love Goes

2009-03-16T07:30:00.000-07:00

Keith West (Wherever My Love Goes) Kuckuck 2375023 - 1974

Keith Alan Hopkins apareció en Dagenham en 1946, y a los 18 años ya era el cantante de Four Plus One, con quienes grabó su primer single. En 1965 su siguiente grupo, The In Crowd, editó tres singles más antes de mutarse en una de las estrellas del psyco pop británico, Tomorrow. Ellos publicaron en 1968 uno de los LPs más representativos del género, pero ya el año anterior Keith había triunfado con su primer single en solitario "Excerpt From A Teenage Opera", en comandita con el mago del pop naive Mark Wirtz.

Tras un par de singles más y la disolución de Tomorrow, Keith se dedicó a hacer algunas produciones para otros grupos e hizo varias grabaciones con algunos amigos famosos como Steve Howe, Nicky Hopkins, Ron Wood o Aynsley Dunbar, pero la discográfica EMI no estuvo muy interesada en el asunto y permanecieron inéditas por muchos años. Tampoco el siguiente proyecto con su colaborador en Tomorrow, Ken Burgess, tuvo mucha suerte. Andrew Loog Oldham se interesó mucho por sus canciones pero, poco después de las primeras grabaciones, su sello Immediate quebró y, una vez más, su música se quedó en el limbo.

El sello Deram editó dos singles suyos en 1973 y 1974 y después poco más se volvió a saber de Keith West en el Reino Unido. Aunque, en 1974, el sello progresivo alemán Kuckuck publicó el único LP oficial de Keith titulado "Wherever My Love Goes". Vista la fecha del copyright de las canciones, el ambiente general del disco, y algún otro detalle, puede deducirse que el LP en cuestión podría ser una recopilación de algunas de las grabaciones que Keith West había hecho anteriormente y que habían quedado en el tintero.

En efecto, la canción que abre el disco, "The Power And The Glory" está producida por Andrew Loog Oldham y casi fué grabada por Elvis Presley tras la versión que hicieron The Fortunes. En la grabación participan ilustres como John Weider (Eric Burdon & The Animals, Family), el americano Glen Ross Campbell (The Misunderstood, Juicy Lucy), Johnny Almond (John Mayall) o Tommy Eyre (Aynsley Dunbar Retaliation). Es un disco muy de su tiempo, con algunos grandes momentos, y otros más autocomplacientes (quizá resultado del abundante humo de la época) en el que la joyita es la canción que cierra el disco, "Sad Song", la única no compuesta por Keith sino por su colaborador Ken Burgess.

A pesar de que Kuckuck hizó un single con dos canciones del disco, "The Power And The Glory" y "Liet Motif", ni que decir tiene que las ventas fueron mínimas y con el tiempo, y puesto que el album fué editado únicamente en Alemania, se ha convertido en una auténtica rareza.

Poco después, en 1975, Keith hizo un grupo con John Weider nuevamente, Moonrider, al que también se apuntó Bruce Thomas tras su paso por Quiver y antes de unirse a los Attractions de Elvis Costello. Tras el solitario LP de Moonrider, de igual título, Keith West hizo alguna esporádica grabación bajo seudónimo y se dedicó a varias actividades relacionadas con la música: jingles publicitarios, producciones y una editorial propia, en la que sigue todavía. Discreto desenlace para una historia que apuntaba muchos más colores. Salud Keith.

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Keith Alan Hopkins landed in Dagenham in 1946 and at 18 he was the singer of Four Plus One with whom he recorded his first single. His next band, The In Crowd, released three singles in 1965 before mutating into Tomorrow, one of the stars of british psych pop. They released in 1968 one of the most representative LPs in that field, though Keith had already found success the previous year with his first solo single "Excerpt From A Teenage Opera", made under his alliance with pop magician Mark Wirtz.

After two more singles and the split of Tomorrow, Keith did some producing work for other artists and made a few recordings with some famous friends like Steve Howe, Nicky Hopkins, Ron Wood o Aynsley Dunbar. But the EMI record label wasn't really impressed and those songs were kept unreleased for many years. His next project wans't quite lucky either. Keith had teamed with his writing partner Ken Burgess and Andrew Loog Oldham was very interested in their material but when a release time was due, his Immediate label went bankrupt and once again Keith's music remained unreleased.

The Deram label released two singles by Keith West in 1973 and 1974 and then little more was heard of him again in the U.K. Though, in 1974, the german progressive label Kuckuck released the only official LP by Keith under the title "Wherever My Love Goes". After noticing the date of the songs copyright, the general mood of the record and some other details, we can then decuct that this LP could be in fact some kind of compilation from some of those recordings Keith West had previously made, and which had remained in the can.

Indeed, the opening song, "The Power And The Glory", is produced by Andrew Loog Oldham and was almost recorded by Elvis Presley after the cover version made by The Fortunes. Some distinguished musicians appear on the recording: John Weider (Eric Burdon & The Animals, Family), the american Glen Ross Campbell (The Misunderstood, Juicy Lucy), Johnny Almond (John Mayall) or Tommy Eyre (Aynsley Dunbar Retaliation). It's a record much of its time, with some great moments and others more self indulgent, probably because of the abundant smoke of the time. The little jewel on it is probably the closing "Sad Song", the only one not written by Keith but by his writing partner Ken Burgess.

Needless to say that the sales of the album were quite poor, in spite of Kuckuck releasing a single from it ("The Power And The Glory" b/w "Liet Motif"), and with the passing of time and the album being released in Germany only, it has become a bona fide rarity.

A bit later, in 1975, Keith made a new band again with John Weider: Moonrider. Bruce Thomas, after his time with Quiver and before moving to Elvis Costello's Attractions also joined. After Moonrider's selftitled and only album, Keith West made some sporadic recording under pseudonym and had several music related activities: productions, publicity jingles, and his own publishing company which he still runs nowadays. A discreet issue for a story poiting at many more colours. Salud Keith!

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Isaac Guillory - Isaac Guillory

2009-03-06T15:31:00.000-08:00

Isaac Guillory (Isaac Guillory) Atlantic SD 7307 – 1974

Nació en 1947 en la base naval americana de Guantanamo, Cuba. En su adolescencia emigró primero a Florida en donde formó parte de The Illusions, que editaron un single en 1966. Posteriormente se trasladó a Chicago y se unió allí como bajista al famoso grupo local The Cryan Shames a tiempo de participar en su segundo LP "A Scratch In The Sky". En el tercero y último, "Synthesis", habían ya cuatro canciones suyas y era parte importante de la banda.

Tras la disolución del grupo, y su activismo contra la guerra de Vietnam, dió el salto a Europa con su guitarra acústica en 1970, aterrizando en Luxemburgo. Llevando una vida en la carretera, estuvo cantando por garitos varios desde Marruecos hasta Dinamarca, y vivió un tiempo en el sur de España. Un encuentro en Holanda con Al Stewart en 1971 resultó definitivo y, amparado por Al, se trasladó a Inglaterra donde se pateó el circuito folk e hizo sesiones varias.

Al año siguiente, se le une su ex compañero en The Cryan Shames, Jim Fairs, y juntos preparan el primer disco en solitario de Isaac, que se graba en 1973 con algún ilustre sesionero de la escena inglesa como Sam Gopal. El disco lo co-produce Ian Samwell y es publicado por Atlantic en 1974. Se incian entonces las sesiones para su segundo disco, pero ante las pobres ventas del primero, Atlantic congela el proyecto.

Hace algunas grabaciones y giras con gente como Elkie Brooks o Donovan, y después sustituye a Big Jim Sullivan en el grupo de jazz rock Pacific Eardrum, quienes graban un par de discos publicados por Charisma en 1977 y 1978. Posteriormente, trabaja con el inefable productor Trevor Horn siendo su guitarra la que aparece en la famosa canción "Video Killed The Radio Star".

A partir de ahi nuestro hombre se dedicó a colaborar con gente tan dispar como Barbara Dickson, Joan Baez, Nick Heyward, o un film de Mick Jagger, además de escribir y diseñar un metodo para eseñar a tocar la guitarra, "The Guitar Hand Book". También siguió grabando esporádicamente algunos discos en ediciones minúsculas y privadas, grabados en directo en su mayoría. Murió en la nochevieja de 2000 a los 52 años de un cáncer no detectado, unas pocas semanas después de grabar su último concierto.

Su primer y único disco a nivel internacional, "Isaac Guillory", es una sorprendente grabación que tal vez desconcierta un poco en una primera escucha, y que va entrando hondo inexorablemente. Tiene un profundo calado, con toques de psico-folk, una potente y apasionada voz, y una guitarra acústica tocada de una forma muy personal y original. Una impresión melancólica y solitaria sazona un disco intemporal que sin duda merece ser rescatado y degustado sin prisas.

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He was born in 1947 at the american navy base of Guantanamo in Cuba. In his teens he moved to Florida where he joined The Illusions who released a single in 1966. Then he moved to Chicago and there he joined the popular local band The Cryan Shames as their new bass player, just in time to appear in their second album "A Scratch In The Sky". The third one "Synthesis" had four of his songs and he was already an important part of the band.

After the group split, his activism against the Vietnam war took him to Europe where he moved with his acoustic guitar in 1970. After landing in Luxembourg he lead a life on the road and sung in pubs and coffe houses from Morocco to Denmark and lived in southern Spain for a time. A 1971 chance meeting with Al Stewart in Holland was a turning point and, under Al's wing, he moved to England where he did a lot of gigs on the folk circuit and also some recording sessions.

The following year he was joined by his mate in The Cryan Shames, Jim Fairs, and they worked together in Isaac's first solo album which was recorded in 1973 with some names of the british underground scene like Sam Gopal. The record was co-produced by Ian Samwell and finally released by Atlantic in 1974. Sessions were started for a second album but with the poor sales of that first one, Atlantic shelved the project.

He made some recordings and gigs with people like Elkie Brooks or Donovan and then filled the vacancy of Big jim Sullivan in the jazz-rock band Pacific Eardrum who released a couple of albums in the Charisma label in 1977 and 1978. He worked later with the infamous producer Trevor Horn. It's his guitar the one that can be heard in the famous song "Video Killed The Radio Star".

From there on our man worked with such a different kind of people as Barbara Dickson, Joan Baez or Nick Heyward, played on the soundtrack of a Mick Jagger film, and designed and wrote a guitar tuition book called "The Guitar Hand Book". He also kept on making some records from time to time, always in small and private editions on his own label and mostly recorded live and alone. He died in new year's eve of 2000 at 52 from an undetected cancer, just a few weeks after recording his last concert.

His first and only international record, "Isaac Guillory" is a surpising recording which may be a bit uneven at a first listen, and which surelly and slowly goes getting inside of the open listener. It has a deep feeling, with some psyco-folk touches, a strong and passionate voice, and an acoustic guitar played with a quite personal and original way. With a lonely and melancholic impression, it's a record out of time that really deserves to be rescued and savoured without hurries.

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Peter Kelley - Dealin' Blues

2009-02-25T17:25:00.000-08:00

Peter Kelley (Dealin' Blues) Sire SI 4903 - 1971

Otro de esos discos un tanto inclasificables. De recomendada escucha, preferentemente, después de las dos o las tres de la madrugada. En noche abierta.

Como es costumbre en estos casos, poco o nada se sabe de Peter Kelley. Grabó en New York un par de LPs para Sire, y desapareció tal y como había aparecido, sin hacer mucho ruido. "Dealin' Blues" es el segundo y último de esos dos albumes, e impresiona por la atmósfera que logra crear con muy parca instrumentación. Sin batería y con guitarras de puntillas. Un disco que entra casi sin querer...y que cala hasta los huesos.

Con una producción sorprendente para un Richard Gottehrer, usualmente más dinamitero tras su paso por The Strangeloves, y con una etérea intervención esporádica de los precursores del sintetizador moog, Robert Margoulef y Malcolm Cecil, en el momento de su glorioso invento T.O.N.T.O.'s Expanding Head Band, "Dealin' Blues" bien podría ser patente ejemplo de un oscuro género que alguien convendría en llamar psico-folk blues visionario. Parido por un anónimo solitario con sugerentes cosas que decir.

O, puede que no.

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Here's another one of those records a little hard to categorize. Of recommended listen, preferably, after two or three in the night. In the open dark.

As usual in those cases, little or nothing is known about Peter Kelley. He recorded a couple of LPs in New York for the Sire label, and then vanished just like he appeared, with very little noise. "Dealin' Blues" is the second and last of those two albums and it's impressing because of the atmosphere that it attains to create with such a scant instrumentation. Without drums and with shy guitars. A record that gets in without even prettending... and then gets to the bones.

With a suprising production for Richard Gottehrer, with usually quite more dynamite after his spell with The Strangeloves, and with the ethereal and sporadic appearance of the moog synthesizer forerunners, Robert Margoulef and Malcolm Cecil, at the time of their glorious invention the T.O.N.T.O.'s Expanding Head Band, "Dealin' Blues" could well be a good example of some obscure genre which someone could call "visionary psyco folk blues". Born by an anonymous solitaire with some suggesting things to say.

Or, maybe not.

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Emitt Rhodes - Farewell To Paradise

2009-02-15T12:24:00.000-08:00

Emitt Rhodes (Farewell To Paradise) LP Dunhill 5022 - 1973

Tal vez el menos conocido, "Farewell To Paradise" es probablemente el disco más oscuro del luminoso Emitt Rhodes. Cuando fué publicado finalmente en 1973, tras más de un año de trabajo, nuestro hombre era ya un más que experimentado músico que se las había visto con los destellos del éxito, y con los tortuosos desencuentros con el mundo discográfico.

Este disco tiene una atmosfera especial y un tanto crepuscular que lo diferencia del resto de su producción. Como si Rhodes fuera consciente de que este sería el último. Mezclado por el legendario Curt Boettcher y grabado en su casa con un cacharro de 8 pistas, absolutamente toda la instrumentación, voces y producción están hechas por el propio Emitt, como solía ser su costumbre. Aún sabiéndolo, es difícil de creer que todo lo que se oye en este album haya salido de la misma persona.

"Farewell To Paradise" no tuvo apenas repercusión y no hubo ningún single que lo promocionara un poquillo. Un disco quizás un poco dificil, pero que engancha y aumenta adicción a cada escucha. Nocturno por excelencia, nunca ha sido reeditado.

Nacido en Decatur, Illinois, en 1950, pero criado y residente en Los Angeles, Emitt Rhodes era ya en 1965 el batería de The Palace Guard con quienes grabó media docena de singles. Después monta su propio grupo, The Merry Go Round, y conoce el éxito con canciones como "Live", "Listen Listen" o "You're A Very Lovely Woman". Unos cuantos singles y un LP después, inicia su corta carrera en solitario en 1969.

Tras la publicación de "Farewell To Paradise", revelador título por cierto, un viejo de 24 años recién cumplidos llamado Emitt Lynn Rhodes decide jubilarse definitivamente y dedicarse a las anónimas labores de técnico de sonido, grabador todoterreno y pructor de oficio, cosa que sigue haciendo actualmente en su estudio en Hawthorne, California.

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Probably his least known, "Farewell To Paradise" surelly is the darkest album by the luminous Emitt Rhodes. When it was finally released in 1973 after more than one year in the works, our man already was a more than experienced musician who had lived the flashed of success and also the winding disappointments from the record industry.

This album has a special and crepuscular atmosphere which makes it quite different from the rest of Emitt's records. Just as if he was being conscious that it would be his last one. Mixed by the legendary Curt Boettcher and recorded at home with an eight track machine, Emitt himself played all instruments, sang all voices and produced, as he usually did. And even knowing this, it's hard to believe that absolutely everything heard in this album comes from the very same person.

There wasn't any single lifted from "Farewell To Paradise" and consequently, airplay was almost non existent, as logically were its sales. It probably was a bit of a "difficult" album, but also a natural grower after each and every listen. An openly nocturnal record, it has never been re-released.

Born in Decatur, Illinois, in 1950, but grown an resident in L.A., Emitt Rhodes already was in 1965 the drummer of The Palace Guard with whom recorded half a dozen singles. Then he made his own band, The Merry Go Round, and found success with songs like "Live", "Listen Listen" or "You're A Very Lovely Woman". A few singles and an LP later, he started his short solo career in 1969.

After the release of "Farewell To Paradise" (revealing title, by the way), an old man with a recent 24th birthday, called Emitt Lynn Rhodes, definitively waved goodbye to the pop world and retired to anonimous jobs as a sound engineer, amphibious recording technician and freelance producer. Occupations he still seems to be doing at his Hawthorne, California studio.

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Los Banzos - Actualización

2009-02-11T16:17:00.000-08:00

Desde la apertura de este blog con los tres singles de Los Banzos, hace poco más de dos semanas, hemos podido obtener bastante más información sobre el hasta ahora casi misterioso grupo, y también algunas fotos.

Tras nuestra publicación, Paco Alvarado, de la web Valladolid Musical, se puso en contacto y después de algunas pesquisas dió con el cantante del grupo, "Curro", quien le facilitó todo tipo de información al respecto. Puedes ampliar y leer la entrevista en:

http://www.valladolidwebmusical.org/reportajes/pioneros/

Para aquellos que ya se han descargado la carpeta inicial, hemos preparado una actualización de la información sobre el grupo, añadiendo un par de fotos.

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Afortunadamente, uno de los grandes grupos españoles de los 60, prácticamente olvidados hasta ahora, están empezando a salir a la luz.

:-)

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Since de starting of this blog with Los Banzos three singles, little more than two weeks ago, we've been able to obtain quite more information about this, until now, misterious band, and also some photos.

After our first posting, Paco Alvarado, from the Valladolid Musical website, got in touch and after some investigations finally found the lead singer of the band, "Curro", who kindly gave us full information of Los Banzos. You may read a full interview with him (though, naturally, in spanish only) in:

http://www.valladolidwebmusical.org/reportajes/pioneros/

For those who already downloaded the first Los Banzos posting, we've prepared this updating with band info (spanish only again!) and a couple of good photos:

http://rapidshare.com/files/196995976/Los_Banzos__Actualizaci_n_.rar

Fortunately, one of the great lost spanish 60s bands, completely forgotten until now, are finally getting some recognition and getting some light.

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Paul Parrish - The Forest Of My Mind

2009-02-08T13:15:00.000-08:00

Paul Parrish (The Forest Of My Mind) Music Factory MFS 12.001 – 1969

Aqui está otro de esos grandes discos sobre los que no se han vertido rios de tinta precisamente. De hecho, es prácticamente imposible encontrar información sobre este caballero andante de la melodía, aparte de Detroit como su más que probable procedencia.

Nos ocupamos hoy de su primer disco, una pequeña leyenda entre los conocedores del psicopop de finales de los 60, con canciones multicolores, orquestaciones exuberantes y un concepto melódico y de producción tal vez más cercano a la psicodelia británica que al "sunshine pop".
En cualquier caso, un disco excepcional que merece ser rescatado de las catacumbas.

Un par de años más tarde, Paul publicó un segundo LP de corte bastante diferente pero también de gran altura. Mucho más introspectivo y rasgado. Tal vez lo recuperemos también si, cosa extraña, hubiera demanda popular.

Nuestro hombre reapareció unos años más tarde con un agradable disco mucho más clásico, de cantautor con piano, en la linea de un Billy Joel o Elton John. Incluso acercandose a Jim Webb en algunos casos, no crea Vd.

Nada se ha sabido de Mr. Parrish en los últimos 30 años.

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Not that much has been said about this great record. In fact it's almost impossible to find any information about this knight of melody, other than Detroit being his likely operating place.

We're having here today his first album, a small legend among late 60s psych-pop connoisseurs. It's packed with multicoloured songs, exuberant orchestrations, and some melodic concept and production probably closer to british psychedelia than to "sunshine pop". In any case, an exceptional LP that fully deserves to be rescued from the catacombs.

A couple of years later, Paul released a quite different second album. Much more introspective and broken. We may bring it here too if, surprisingly, there's enough popular demand.

Our man reappeared some years later with a pleasant third record. But with a quite classic approach, in the piano singer songwriter style of say Billy Joel or Elton John. At times even getting closer to Jim Webb.

Nothing has been known about Mr. Parrish in the last 30 years.

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Bonnie White - Suite From The Other End

2009-02-01T09:29:00.000-08:00

Bonnie White (Suite From The Other End) Carousel CAR 3505 - 1971

Este es uno de esos discos difíciles de clasificar. Y ello, por regla general, suele ser una buena señal.
Nunca, hasta el momento, he conseguido averiguar nada tangible acerca de esta singular artista. Tán sólo que alguna canción del grupo de soul pop de salón The Chi-Lites, y de la guerrera Etta James, están co-escritas por una tal Bonnie White. Y ni es seguro que se trate de la misma persona.

Lo que si está claro es que este es uno de esos pocos discos que va más allá de un género concreto. Un disco muy personal que, a pesar del color de nuestra Bonnie, nada o poco tiene que ver con el soul, el funk o alguna otra música clásica negra. Más bien se trata de una obra de autora, una colección de canciones atemporales e imaginativas, con diversos tratamientos. Desde una discreta orquestación rayando lo surrealista, hasta un intimismo directo y cálido.

Nadie parece haberse molestado en hacer mención en parte alguna de esta pequeña gran obra en casi cuatro décadas. Tan sólo imaginar que en la borrachera creativa de la California post-hippie, una jóven soñó unas cuantas preciosas canciones y consiguió plasmarlas en un anónimo disco antes de evaporarse en esa cosa llamada "vida real". Con un click puedes participar de los bonitos sueños de Bonnie. Casi un milagro.

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This is one of those hard to classify records. No easy tags for it. And, as a general rule, this uses to be a good sign. I've never been able to find out any definite information about this singular artist. Some songs of the soul pop group The Chi-Lites and soul warrior Etta James, are co-written by a Bonnie White. But it's not even sure that's the same person.

But what it does seem clear is that this is one of those few albums that go beyond a specific genre. A very personal record that, in spite of the colour of the skin of our dear Bonnie, nothing or very little has in common with classic soul, or funk, or any black music for that matter. It's rather the work of a writer and composer. A collection of imaginative songs out of time, with different treatments. From a discreet and almost surrealistic orchestration, to a warm and direct intimacy.

In four full decades nobody seems to have bothered to mention anywhere this little big piece of work. We can only imagine that, in the creative drunkenness of the post-hippie California, a young girl dreamed a few precious songs, and succeeded in putting them into an anonymous record, before melting into that thing called "real life". With a click you can get into Bonnie's nice dreams. It seems a miracle.

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Los Banzos - Los 3 Singles

2009-01-25T15:27:00.000-08:00

Eran de Valladolid y editaron tres singles con el sello Polydor entre 1967 y 1968.
Es increíble que un grupo así, con una discografía tan sorprendente, haya pasado tan desapercibido, incluso para la mayor parte de los especialistas. Y a pesar de contar con la acertada producción del reconocido pekenike Alfonso Sainz, y algún que otro arreglo del reputado Juan Carlos Calderón.

Sus dos primeros singles contienen cuatro canciones de esmerada elaboración, con una música emotiva y bastante lejana a la inmensa mayoría de la producción nacional de la época. El tercero se acerca más al pop de recuperación folklórica no anglosajona que trabajaban grupos como Almas Humildes.
Incluso las letras estaban bastante por encima de la típica y topica canción pop de la época.

Canciones cálidas y nada fáciles, con discreta orquestación barroca, que no desentonarían en algún disco de The Left Banke. Aunque, ya se sabe que no es lo mismo ser neoyorkino que ser pucelano.

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They were from Valladolid, Spain, and released three singles for the Polydor label between 1967 and 1968. It's incredible that a band like this one, with such a surprising discography, have gone so sensibly unknown and unnoticed, even to most part of specialists and collectors of late 60s spanish music. More so, when seeing that they recorded for a "big" label with famous spanish producer Alfonso Sainz (from Los Pekenikes), and some arrangements from the great Juan Carlos Calderón.

Their first two singles are made of four songs of careful craft, with an emotional music quite removed from the majority of the spanish musical production of the time. The third one is closer to the folk recovery of bands like Almas Humildes. Even the lyrics are quite above the average 60s pop fare.

Warm songs with a not so easy structure, and with a discreet baroque orchestration which wouldn't be out of place in some Left Banke record. Though, we all know it's not the very same thing coming from New York than from Valladolid in central Spain.

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